Jorge Alberto Collao

COMO EMPEZAR A RECONOCER UN POEMA MEDIOCRE.

2011-07-05T09:55:00.000-07:00

Que comience, abuse, o se centre en algún adverbio dubitativo.

Es la forma mas facilista que apela al efectismo de lo subjetivo. Cuando no se tiene habilidad ni conocimiento para definir a través del dominio del lenguaje, o de las maneras del decir, el “objeto” del poema, existe una inclinación natural a “indefinir” el texto: quizá(s), acaso, probablemente, posiblemente, seguramente, tal vez, sin duda, puede, puede ser, a lo mejor, quién sabe.

Cacofonía reiterada.

Esto es la mayoría de las veces el sello innegable que delata a un poema que no tiene valor poético alguno, y es fácilmente reconocible. Por un lado, destroza toda posibilidad de establecimiento del ritmo en un poema que quiere ser de verso libre, o denota la impericia del escritor cuando intenta construir un poema usando alguna estructura formal. Ejemplo de cacofonía son las siguientes frases:

Cuando la explosión terminó no hubo más que confusión.
Mientras tras bambalinas había ruido.
Cuando estuviste, viste el estadio.
En la foto parece que aparece un fantasma.
Tres tristes tigres.
Mauricio escribió la canción, con todo su corazón, porque es su pasión.
Dice Carlos, que dice su mamá, que le dijo Lupita, un dicho que dice así.

Que defina una fórmula métrica y la traicione.

La mayoría de los poetas novatos, sin lectura, sin disciplina y, por último, sin talento, suelen aventurarse escribiendo poemas bajo algún esquema métrico conocido, o mas fácilmente, a través de la rima en la poesía. Así, establecen un marco sobre alguna fórmula métrica que no pueden respetar en el resto del poema. O que escogen escribir en la forma del verso libre porque lisa y llanamente, encuentran “difícil” escribir algún poema a través de una forma métrica más o menos conocida. La verdad es, que un poeta que no pueda escribir, por ejemplo, un soneto clásico con cierta soltura, será casi imposible que puede descubrir y plasmar en la forma del Verse Libre, un texto de algún mínimo valor poético.

Fractura rítmica que se presente ya en los dos o tres primeros versos.

Es cierto que el ritmo en el verso libre es un fenómeno complejo donde no existen fórmulas, pero cualquiera que tenga suficiente lectura podrá reconocer el ritmo que el poeta instaura a partir de los primeros versos, y la relación que este ritmo establece con la totalidad del poema. La mayoría de las veces, los iniciados, o los poetas de fin de semana no logran cruzar este umbral transformando sus obras en textos insufribles, tediosos, cursis, y lastimeros. Si el poeta no es capaz de lograr una comunión con el ritmo necesario que sostenga el corpus del texto en los primeros versos, no va a lograrlo en el resto del poema, y no vale la pena, para ningún lector asiduo a la poesía, continuar leyendo.

Deficiencias acumuladas en los textos poéticos.

Ahora bien, existen muchos otros niveles de apreciación que valorizan a una obra poética, que suelen ser muchísimo mas complejos y que no son el tema de este breve artículo, que solo ha enunciado el 1% del valor que debiese tener un buen poema. Pero, si ya es grave caer en alguna de estas muletillas que nos permiten reconocer de inmediato un poema de poco valor, la suma de dos, tres, o mas, o la reiteración de las mismas, francamente sepultan toda posibilidad de que un texto pueda considerarse como poético. Ahora bien, un texto con estas características tienen el valor de representar ciertos estados de ánimo, o sentimientos de su autor, y como tal, serán valorados en señal de afecto por quienes tienen establecidos ciertos lazos de afecto, pero de ahí ha que esta condición avale per se un texto como poético, no tiene nada que ver.

Por último, y a propósito del párrafo anterior, se suman dos males propios que, definidos por la falta de calidad de sus obras, suelen dar una clave de quienes son malos poetas o, simplemente no lo son.

Una es la sobre reacción a las criticas al interpretarlas como una especie de ataque personal, sazonada con la carencia de lectura, y la nula capacidad de dialogo con respecto al fenómeno de la poesía y la literatura. Lo otro, es la recurrente practica de escribir los llamados poemas sueltos, la mayoría de las veces de temática mal llamada romántica o amorosa, incapaces de elaboraciones donde la suma de textos persigan una unicidad mas o menos reconocible.

En fin, sin ánimo de crítica a nuestro medio, creo que esto ayudará a gestar ciertas definiciones necesarias, respecto a lo que no tenemos ni vamos a tener ni en el corto ni en el mediano plazo, y del porqué la poesía es ajena a las grandes mayorías, que no es fundamentalmente por problemas de apoyo estatal, ni por la desidia de las editoriales, sino, mayoritariamente, porque quienes publican y se dedican a escribir poesía, son francamente malos escritores, y escriben textos aberrantes, aburridos, sin ninguna originalidad, ni talento.

Lo que uno debe hacer, cuando se encuentra con un poema que cumpla con estas características aquí enunciadas, o abuse de ellas, es alejarse de ellos y de sus autores lo más lejos posible. Y no volver a leer nada que se asocie a ese autor: el deber de reivindicarse pertenece a ese autor, y no a nuestra paciencia, que suele ser limitada.

Atentamente

Jorge Alberto Collao

LA CUESTION DE LA CULTURA: UN ENFOQUE REVOLUCIONARIO.

2011-06-24T06:57:00.001-07:00

“Sin Estado hay ciertamente cultura, pero sin Estado no hay desarrollo cultural ni posibilidades reales de instalar al país en medio de un mundo que se globaliza como un autentico interlocutor cultural y no como un mero receptor pasivo de las expresiones culturales que se producen fuera de él”

Agustín Squella

Una Nueva Institucionalidad Cultural

11 de Octubre de 2001

Concepción.

Este párrafo de Squella, Asesor Presidencial de Cultura, pareciera inofensiva pero delata algunos aspectos vitales a tener en cuenta para desarrollar un enfoque revolucionario respecto a la cuestión de la cultura en los tiempos que se avecinan.

“Sin Estado hay ciertamente cultura, pero sin Estado no hay desarrollo cultural”

La preeminencia del Estado como motor del desarrollo cultural desconoce la importancia de las masas sociales como productores de cultura y por lo tanto, mutila el carácter de la cultura para establecer identidad, en definitiva, para adquirir la carga simbólica necesaria para constituirse en clase.

“ni posibilidades reales de instalar al país en medio de un mundo que se globaliza”

La globalización del mundo parece ser la meta de cualquier proceso de desarrollo cultural, donde no hay espacio para otro fenómeno que no sea la transculturización o la elitización y marginalización de las expresiones culturales, o la simple “turistización” de la tradición y la cultura popular.

“como un autentico interlocutor cultural y no como un mero receptor pasivo de las expresiones culturales que se producen fuera de él”

Existe un desconocimiento total y absoluto del potencial cultural popular, de las grandes masas sociales, donde tales expresiones son desdeñadas por la preeminencia de las expresiones foráneas. Al no reconocer dichas expresiones, se da por sentado que somos “meros receptores pasivos”, cuando la realidad es que las expresiones populares son desdeñadas y desalentadas institucionalmente, mientras ocurre todo lo contrario con las foráneas. Y se apela ahora a ser un “auténtico interlocutor cultural”, como si lo único que nos hace falta es homogenizar los códigos culturales para hablar “de tú a tú” con las formas culturales externas, tener el mismo idioma cultural, y competir en los mismos términos con la producción cultural universal, cuando de lo que se trata es de todo lo contrario: la identidad se define en lo que nos es propio y particular, en lo que nos define diferente a otros, porque solo a través de esa diferencia nuestro “yo” colectivo puede conectarse al “yo universal” de la humanidad.

ASOMANDO LA CABEZA CON ANDRES.

2011-06-24T06:54:00.001-07:00

Los Vilos, 25 de Abril del 2004

De Andrés Pulgar no se, prácticamente, nada. Algunos años atrás participé como jurado en un concurso convocado por el Instituto Los Fundadores, y hace apenas una semana recibí un llamado telefónico inesperado y sorprendente: uno de los muchachos

–unos liceanos en aquella época del concurso- me llamaba para solicitarme una introducción para su inminente libro. Ese mismo día, bajo la amenaza de una lluvia que nunca llegó, en plena calle, frente a la fachada del edificio de Los Bomberos de La Serena cruzamos algunas palabras, me entregó un disquete titulado “Planetas Ebrios Entrando en la Sien”, el cual he leído y releído. Son una treintena de textos de los cuales no me atreví a suponer un orden por como fueron registrados digitalmente, lo cual me obligó a no adelantar juicios sobre el futuro libro que saldría de la imprenta. Pero había que, sin embargo, desentrañar la punta de la madeja.

Hay en “Planetas Ebrios Entrando en la Sien” una especie de contraste en donde dos lenguajes se debaten por imponerse uno al otro. Se puede pensar que textos como Petición divina para extirpar demonios, Un Sueño para Claudia y Carolina, Certificado de Pre-defunción, u Oración entre otros, son textos primarios, conversacionales, casi epistolares si se quiere, pero cargados de una honestidad absoluta “déjame seguir cayendo/ en tu tentación/ y líbrame de todo mal/ menos del tuyo” (Oración), en donde la sintaxis perdura sin riesgo. Pero hay otra vertiente inusitada como en Instrumental, Calvicie, A mediados de Abril, Pasos ciegos o el muy bien logrado De Árboles Quemantes en que el barroquismo de las imágenes –tan manido entre los poetas que no tienen nada que decir- se asoma aquí con una pasión alentadora: “te empaparé de árboles quemantes ( )/ de una travesura de niños muertos ( )/ diagnóstico de ciencia perfecta ( )/ te empaparé de mis armaduras fantasmales ( )/de batallas felinas sobre destrozos intactos / dulzuras aguileñas que en sus respiraciones / prendan fuego a tus naufragios / y cuenten rosa a rosa/ y siglo a siglo / los siete preludios / de mi fugacidad”. Pero hay también un incipiente talento para la construcción de imágenes que es rara en la poesía regional, mas emparentada con la vulgarización de subculturas de elite (de la música como el jazz y el rock, o propios de la misma literatura y sus corrientes, etc.), mas que del desparpajo de la imagen pura que podría encontrarse quizá en Oscar Elguetta y sobre todo, en Julio Miralles, y que es también mi propia búsqueda (Estrategia de Amaneceres, Ingeniería Rebelde, En Ese Lugar Salvaje, etc.).

Andrés Pulgar es un poeta de provincia, que duda cabe, y por lo tanto espero que no sufra este destino de muchos, mas todavía en un concierto cultural absolutamente deplorable donde sobreviven honrosas excepciones y los nuevos talentos desaparecen, porque la insidia busca siempre la paja en el ojo ajeno, mas que la barraca completa en los ojos, de los siempre infaltables inquisidores.

Cuando el Libro salga del horno, habrá que comerlo con mayor fruición.

PRESENTACION DEL LIBRO DOBLE.

2011-06-24T06:52:00.000-07:00

Por Jorge Alberto Collao

07/09/2008
La Serena.

Reseña del Libro doble recientemente publicado, de los poetas Samuel Núñez, y Gonzalo Hernández (Kundalini). Impreso en Editorial del Norte, con portadas de Núñez, Hernández, y Cecilia Valenzuela. La Serena.

En Las Aguas Novias, Hernández entreteje sobre un bastidor sincrético, sumando a la complejidad de creencias hinduistas, trazos de misticismo arcaico y moderno, simbolismos de raíces griegas, Orishas, prehispánicas, egipcias, teosóficas, cristianas, germánicas, y regionales, logrando una socarrona mirada que atraviesa el equilibrio del descreído, que más allá de las turbadoras erratas, anglizaciones o simple imaginería, arriesga al límite imágenes demasiado circulares, en ritmos peligrosamente disfuncionales que a veces recuerda a traducciones antojadizas, un discurso que no alcanza la coherencia necesaria pero que, sin embargo, acierta en forzar al lector a una cosmogonía personal e intima, poco común en la literatura regional. Así, arponea nuestros temas, persiguiendo un ethos esquivo y prácticamente inexplorado, de una poética que está por escribirse. Ello lo debilita, pero ciertamente abre una cabeza de playa de múltiples guiños abarcadores y, por lo mismo —en cierto sentido— fundacionales. La densidad textual inaugura un corpus para iniciados, que en el soporte compartido con Núñez, tiende a no cumplir su propósito de correlato, salvo quizá en la aridez de la producción local. Pudiera ser que en un contexto más propicio —ajeno al provincialismo serenense— tales audacias encuentren eco, lo que por ahora no parece ser el caso.

En Perdido en un Mundo Perdido, de Núñez, la accesibilidad del lenguaje sumado a una larga trayectoria escritural, lo expone a las debilidades de un discurso recurrente cuyo desgaste permite ciertos puntos altos, donde destella la simpleza asertiva de una cotidianidad agobiante. De una sonoridad tenuemente armónica, en que el ser urbano se expresa poderoso, y de una debilidad coherente que como el mito se Sísifo, solo es el intento, en la fe desnuda, en la vocación de mártir de quien pervive y persigue sin encontrar sino ilusiones del paraíso perdido, mezclados en aciertos estremecedores, o pinceladas traicionadas por la mecánica narrativa en el mismo filo del microcuento. Aunque sus claves pueden hallarse en la tradición poética americana de los cuarentas en adelante, sabe imprimirle la desnudez de alma necesaria para que su lenguaje estremezca y sin embargo, esto no alcanza para que su discurso despegue con brío. Aunque ya lo he dicho antes, la poética de Núñez está más cerca del sentido de la poesía clásica China, que con la irreverencia Beat con la cual se le suele asociar. Núñez, sin embargo, no es un textualizador, como Hernández, sino un apilador de fragmentos de realidad que asume con naturalidad inaudita, la narración de su propio universo cotidiano, en certezas desgarradoras, pero también en textos de íntima catarsis. Más cercano al exteriorismo nicaragüense que a la añoranza Larica de Teillier —que reconoce como influencia, además de Bertoni y los mencionados Beat— Núñez navega entre el caos creativo y la necesaria disciplina textual.

En ambos casos, la provincia mata el diálogo necesario para elevar la potencia creadora hacia significancias más coherentes en donde construir lenguaje. Ambos, junto a un Benito Cortés, a un Oscar Elgueta, Gregorio Moreno o Susana Moya, son hasta ahora los puntos más altos en la búsqueda de un lenguaje de arraigo que signe un territorio propio y único de la poética regional para el mundo.

"LA POLAR, LA POLAR, PASAR Y LLEVAR" (Cantan los Gerentes)

2011-06-23T17:59:00.000-07:00

"Menos mal que yo no me endeudé con La Polar. Nada mas me endeudé con Falabella, Ripley, Jhonson, Almacenes París y el Home Center"

"Cuando fui a repactar mi deuda a La Polar, me pidieron como condición que llevara unos tres metros de cadena y un par de candados, porque no les gustaba que sus esclavos anduvieramos sueltos"

"En la propuesta de La Polar hay un acápite destinado a los suicidas. En vez del seguro de desgravamen, van a cobrar un modico 10% de interes sobre la deuda original, por cada piso de altura del cual se lancen"

"Los Gerentes responsables del descalabro de La Polar, fueron todos despedidos: unos se fueron a Miami, otros a la Riviera Francesa, los mas avezados a un Safari por Africa, y los mas afectados, tomaran un Crucero alrededor del Mundo"

"Los Dueños de la Polar dicen que la culpa fue de los gerentes porque no fueron informados por sus Supervisores de lo que estaba ocurriendo, los Supervisores dicen que sus Jefes de Area no diseñaron planes específicos para tal contingencia, Los Jefes de Area dicen que la culpa es de los Empleados, porque no estaba en los procedimientos resolver dichos problemas de endeudamiento de los clientes, y los Empleados dicen que la culpa es de los Juniors, porque no servian los cafés y los sanguches con suficiente celeridad"

"El Gobiero dice que lo de La Polar es un escandalo nacional. Mire que haber casi 400 mil personas que no quieran pagar sus deudas a los emprendedores sres de La Polar."

"Pero el problema que tiene La Polar se va a resolver rapidamente: primero se les va a prestar plata de las AFP a un bajo interés, y se exigirá a los clientes que paguen siempre un alto interés, pero ahora no tan alto. -Somos magnánimos, carajo- dijo el nuevo Presidente"

"El Nuevo Presidente de la Polar, aplicará su querida Ley de Moraga: "El que paga, caga"- dijo"

"El Gobierno dice que con La Polar no va a pasar lo mismo que con el Transantiago. Van a poner guardias de amarillo para obligar a la gente a pagar sus deudas"

LA CONVERSACION.

2011-06-23T08:07:00.000-07:00

Cada dia parece estarse perdiendo esa institución que antaño nos permitia no solo soñar, sino creer, de manera casi certera, en la factibilidad de aquellos sueños. Me refiero a esa especie de iglesia llamada la conversación. Actualmente, parece estar reservada al calor de alguna escepcional fogata en algun paseo juvenil, a los palos quemandose en un campamento, o en el pasarse el mate en alguna carcel de chilito. Pues tengo la certeza de que la mayoria del tiempo, la conversacion se ha convertido en una especie de traspaso de informacion interesada, reuniones de oficina, asambleas de curso, reprimendas de los jefes, o algun cursillo empresarial de "diciplinese y rentabilícese", pero el conversar, entendido como el arte de sentirse y sentirnos, está cada dia mas en deshuso.

Yo, siendo un fisgón de este mundo moderno, me ha tocado mas de una vez oir conversaciones en algun bar o pub, totalizada por los argumentos técnicos de algun partido de futbol, alguna clase de sicologia barata, o simplemente, donde dicha conversación se transforma en un monólogo de vanagloria y humillación. Pero esas conversaciones en donde dos personas, o algunas mas, parecen escribir un bello poema no solo con ciertas palabras, sino con algunos gestos, algunos precisos silencios, unas miradas y unos ojos, especiales, parece simplemente una escena de alguna lenta y vieja película en blanco y negro. Es, en el fondo, que en esta era de la información, ya no nos comunicamos, por que los datos, los personajes, y las fechas, reemplazan a la comunicación de los sentimientos y sentires. Y eso, al parecer, nos dice que el fin del mundo no vendrá por la rabieta de algún dios irascible, ni por un planeta vengativo, sino por el peso de nuestras propias soledades, que se apoderan de nosotros a traves de todo un nuevo lenguaje donde lo humano que nos es propio, esta quedando cada vez mas olvidado.

LEVANTARSE CADA DIA.

2011-06-22T07:39:00.000-07:00

Esos primeros segundos en que uno toma conciencia de si mismo cada mañana, dependen de los estimulos en un orden casi religioso. Primero es el tacto que te dice cuanto frio hace, o el frío de la persona que estaba a tu lado y que se levantó primero, y te deja esa cierta mezcla de sensaciones, por una parte humillante al sentir que te ganan en la capacidad de enfrentarte al dia, y por ende, a la vida, y por otro, una cierta superioridad al disfrutar algunos minutos mas del calorcillo y ese cierto vaho a pertenencia que le queda uno antes de comenzar, perezosamente, a balbucear los primeros garabatos entre dientes frente al desolado panorama de tener que incorporarse mirando el vapor de agua escurrirse en las ventanas, lo cual te graba a fuego la verdad de que afuera hace un hielo de los mil rediablos. ¿Y porqué finalmente uno gana?...Gana, yo creo, porque pasadas las penurias del vestirse y el ducharse, de conjurar los insoportables tic tacs del reloj segundo a segundo, te tomas un te, o un café, oloroso y caliente, que por mas misterioso que resulte, hace que el tiempo se transforme en un líquido amniotico protector y denso que pasa mas lentamente que de costumbre apretado bajo la puerta que separa nuestra intimidad, de aquella parte de nuestra vida que pertenece a otros. Si estamos solos o acompañados, esta sensaciòn suele no ser muy diferente. Uno como que se apropia de si mismo y, en cuya operación ritual, cada cual tiene sus secretos, que tienen que ver con el dichoso café, con el chaleco de lana, con el sentir la alfombra bajo los pies descalzos, el beso de despedida o de buenos dias, con el sexo alondra, o con echarle una mirada al diario sin leer realmente nada.

Otra cosa es cuando, asilado en ese útero primigenio que es la cama tibia y las suaves sábanas y frazadas, uno aguanta hasta el último segundo y de repente, como si la policia golpeara a nuestra puerta por algún delito que pareciera ser muy grave, empujamos de golpe los cobertores y de golpe tambien nos incorporamos, lanzamos nuestros queridos improperios a media voz, nos vestimos, nos tomamos un vaso de jugo haciendo un par de buches porque a esa hora, el sabor fuerte y violento de la pasta de dientes se hace insoportable, y salimos al mundo, llenos de energia, a lanzar la primera gran chuchada al primero que se la merezca en estas primeras hora despues de levantarse cada dia.

APHRA BEHN: UNA PRECURSORA CASI OLVIDADA.

2011-06-17T09:24:00.000-07:00

«Todas las mujeres deberían llevar flores a la tumba de Aphra Behn”

Virginia Woolf

«Con qué frivolidad pisa el escenario Astrea, / que sitúa absolutamente a todos sus personajes en la cama.»
Alexander Pope

“El amor deja de ser un placer, cuando deja de ser secreto”

Aphra Behn

Durante el Interregno inglés y el dominio de Oliver Cromwell, prevaleció la literatura de inspiración puritana, que estuvo acompañada por una censura intermitente que afectó, por ejemplo, a la polémica obra Areopagitica de John Milton en 1644. Aunque algunos de los ministros puritanos de Cromwell escribieron poesía, ninguna de las obras se publicó. Esto explica que muchos poetas esperaran a la Restauración para publicar sus obras, escritas durante el interregno. Sin embargo, la ruptura oficial del protectorado de Cromwell con el mundo de las letras, mediante la censura y el modelo moralista radical, provocó una brecha en la tradición literaria inglesa.

Antes de la primera revolución inglesa dominaban los versos refinados y la poesía metafísica de autores como John Donne, George Herbert o Richard Lovelace. El teatro conservaba el gusto por el estilo isabelino y shakesperiano y se habían empezado a escribir más obras con contenido político. La llegada del interregno puso freno, o como mínimo censura, a estas líneas de influencia, permitiendo un inicio innovador para las obras de la restauración.

Los últimos años del interregno fueron especialmente turbulentos, igual que lo fue más tarde la decadencia de la restauración. A aquellos que no aceptaban el exilio se les "sugería" un cambio de creencias religiosas. A cada credo le correspondía una actividad literaria distinta en poesía y prosa, ya que los teatros se cerraron durante este periodo. Al morir Cromwell, su hijo, Richard Cromwell, parecía destinado a convertirse en el nuevo Lord Protector; tanto los políticos como otras figuras públicas mostraron su descontento o su aprobación hacia el nuevo régimen. La literatura impresa estuvo dominada por las odas en poesía y los escritos religiosos en prosa. A pesar de los esfuerzos del poder, la difusión de tratados religiosos no se debilitó, llegando a convertirse en una auténtica industria. Personajes como George Fox, fundador de la Sociedad Religiosa de los Amigos fueron encarcelados por las autoridades cromwellianas aunque siguieron publicando desde la clandestinidad.

Durante el interregno, las fuerzas leales al difunto Carlos I partieron al exilio, llevándose al futuro Carlos II, que por aquel entonces tenía 20 años de edad. En el extranjero, los partidarios del rey iniciaron una serie de actividades para conseguir apoyos políticos y económicos con vistas a un posible retorno a Inglaterra. Algunas damas de la causa realista se instalaron en conventos franceses o de las Provincias Unidas para ofrecer un refugio seguro a todos los aliados que se encontraban de paso o a los pobres. Los hombres se confinaron también en estos dos países siguiendo a la corte en el exilio, primero en La Haya y luego en París. Así pues, la nobleza fiel a Carlos II residió durante más de una década en los principales centros culturales y literarios de Europa. La Francia absolutista y la Holanda del siglo XVII tenían muy poco en común, las influencias recibidas por los cortesanos en el exilio y por los realistas en busca de apoyos fueron muy diversas. Carlos asistió a numerosas representaciones teatrales en Francia y desarrolló un gusto especial por las obras escritas en español. Por su parte, los aristócratas instalados en las Provincias Unidas aprendieron las virtudes de los intercambios comerciales y pudieron estudiar las obras racionalistas que circulaban por ese tolerante país. Por ejemplo, John Bramhall, un entusiasta teólogo anglicano, se unió en el exilio a exaltados debates con el materialista Thomas Hobbes y se demostró que, en la práctica, era tolerante hacia los cultos reformados, algo que parecía, en teoría, imposible. Finalmente, los cortesanos estuvieron expuestos a la liturgia elaborada por la Iglesia Católica así como, en menor medida, a la poesía italiana.

En este ámbito bien definido, conocido como la Restauración inglesa (1660-1689), surge entonces una literatura escrita en inglés y que corresponde a los últimos años del reinado de la casa de Estuardo en Inglaterra, Escocia, Gales e Irlanda. El término Literatura de la Restauración hace referencia a una serie de obras, con un estilo relativamente homogéneo, que se centran en la celebración o rechazo hacia la restaurada corte de Carlos II. Engloba obras en algunos casos totalmente opuestas: El paraíso perdido de John Milton al lado de Sodoma de John Wilmot o la comedia de William Wycherley La esposa del campo al lado de la austeridad de El progreso del peregrino de John Bunyan.

Esta época, de gran efervescencia cultural, fue también la de la creación de la Royal Society, de los experimentos y meditaciones de Robert Boyle y la de los ataques del obispo Jeremy Collier contra el teatro. La prensa escrita empezaba a generalizarse, mientras que el ensayo y la crónica se convertían en formas literarias en expansión al tiempo que la economía bursátil hacía su aparición.

Los límites cronológicos de este periodo no son más que una convención y varían de forma significativa según el género literario del que se trate. El teatro de la Restauración, por ejemplo, conserva una influencia dominante hasta 1700, mientras que la poesía declina a partir de 1666 con la publicación del poema Annus Mirabilis de John Dryden. La crisis de la prosa se produjo a partir de 1688 después de las tensiones creadas por la Revolución Gloriosa y por el aumento de la importancia del periodismo y los periódicos. De manera más general, el término "restauración" se utiliza para designar la literatura escrita durante el reinado de Carlos II cuyos textos son odas celebrando el retorno de una aristocracia regenerada, textos escatológicos inspirados por la desesperación de la comunidad puritana o textos en inglés simple destinados a apoyar la expansión creciente del imperio comercial inglés por todo el mundo.

Resulta imposible datar los inicios de la novela inglesa. Sin embargo, fue durante la Restauración cuando empezaron a distinguirse de otros géneros literarios las largas obras de ficción y las biografías ficticias. El Orlando Furioso de Ludovico Ariosto inspiró en Inglaterra una serie de textos en prosa sobre temas como el amor, el peligro o la venganza. Importados de Francia, las novelas de Gautier de Costes conocieron también una gran popularidad a partir del interregno.

La novela estaba considerada aún un género típicamente femenino y las mujeres veían como un defecto leer novelas. El hecho de que se leyeran en francés o se tradujeran de este idioma les daba un cierto carácter afeminado. Sin embargo, las novelas fueron poco a poco trasladándose hacia temas menos tradicionales, centrándose en personajes más cotidianos como los de la novela picaresca. Una de las figuras esenciales en el auge de la novela fue Aphra Behn. No fue sólo la primera escritora profesional sino que también fue la primera novelista profesional.

La primera novela de Behn, Love Letters Between a Nobleman and His Sister, se publicó en 1684. Se trataba de una novela epistolar sobre los escandalosos amores de un aristócrata con la hermana de su esposa. La obra, aún y poseyendo una fuerte dosis de romanticismo, presentaba también aspectos políticos y sexuales explícitos. La autora organiza la novela en dos partes, redactadas en dos estilos completamente distintos. Behn escribió por otra parte una serie de “Historias” sobre personajes ficticios como por ejemplo History of a Nun. Su novela más famosa es, sin embargo, Oroonoko, publicada en 1688. La obra, en la que el protagonista es un africano convertido en esclavo en Surinam, cuenta una historia de amor trágico, inspirada por las numerosas experiencias vividas por la autora en las colonias de Sudamérica. Las novelas de Aphra Behn muestran una cierta influencia de la tragedia y de su experiencia como dramaturga. Más tarde, las novelas de Daniel Defoe adoptaron un aspecto narrativo idéntico, aunque la formación periodística del autor le inclinó por el relato de historias reales.

La Restauración fue una época dorada para la poesía. Además de ser el género literario más popular de la época, fue también el más significativo ya que los poemas trataban a menudo temas políticos, reflejando fielmente su tiempo. Se trataba de una época dominada por la figura del rey no por la de un genio. A lo largo del periodo, la poesía se desarrolló en diversas formas que iban desde las epopeyas a la poesía histórica.

Ya antes de la introducción de la crítica neoclásica que caracteriza la Restauración, los poetas ingleses habían tomado conciencia de que su país carecía de una auténtica epopeya nacional. La Reina de las hadas de Edmund Spenser tuvo una cierta notoriedad a finales del siglo XVI pero no se la podía considerar como una auténtica epopeya nacional como podían ser en Francia El Cantar de Roldán, en España el Cantar de mio Cid o incluso La Eneida en Italia. Fueron muchos los poetas que intentaron terminar con esta carencia literaria.

William Davenant fue el primer poeta de la Restauración en abordar el género de la epopeya. Su obra Gondibert, que alcanza las dimensiones épicas, fue altamente apreciada por Thomas Hobbes. La obra se presentaba en forma de balada, y tanto los demás poetas como las críticas condenaron esta decisión al juzgarla poco apropiada para describir actos heroicos. Los prólogos escritos para Gondibert demuestran las dificultades e incertidumbres para encontrar una estructura épica formal, y dan indicaciones preciosas sobre cómo se veían los escritores de este primer periodo en relación a la literatura clásica.

Aunque se haya estudiado fuera del contexto de la Restauración, El paraíso perdido de John Milton fue publicado durante esta época. Milton, al igual que Davenant, deseaban ofrecer a Inglaterra una epopeya y escribió su obra en versos blancos. El paraíso perdido rechaza, sin embargo, el excepcionalismo inglés y pretende contar toda la historia de la humanidad, dando un valor más destacado al cristianismo que a cualquier pertenencia nacional.

Por otra parte, Milton había iniciado la escritura de otra epopeya relatando la leyenda del rey Arturo, considerado como el gran fundador de Inglaterra. Este proyecto, que Milton terminó abandonado, fue reiniciado por otros autores. Richard Blackmore escribió Prince Arthur y King Arthur. Ambas obras eran largas, soporíferas y fueron rechazadas tanto por la crítica como por el público. Su estilo era tan largo que se le llegó a poner el sobrenombre de “Blackmore sin final” (Never-ending Blackmore). Años más tarde, Alexander Pope también ridiculizó a Blackmore en su obra The Dunciad.

El periodo de la Restauración terminó pues sin una auténtica epopeya inglesa. Beowulf puede atribuirse ese título pero la obra no era conocida por los autores de la Restauración. Además, el inglés antiguo en el que está escrito les habría resultado totalmente incomprensible.

La poesía lírica, aquella en la que el poeta expresa en primera persona sus propios sentimientos y su estado de ánimo, no fue especialmente popular durante la Restauración. Los autores preferían otras formas de expresión poética, generalmente más formales y más cercanas al público, como por ejemplo las odas y la poesía pastoril. Una de las características del periodo es la desvalorización del sentimiento íntimo en favor de la expresión pública y de la filosofía, más abstractas y objetivas. El lirismo que aparecerá años más tarde en la poesía melancólica y prerromántica del siglo XVIII aún estaba en estado embrionario durante la Restauración y afectó, principalmente, a la poesía pastoril.

Desde el punto de vista formal, el periodo tiene sus preferencias en cuanto a rimas. De todas las estructuras posibles, el pentámetro yámbico y la copla fueron las más populares. La moda del clasicismo no llevó a los poetas a intentar adaptar la poesía latina y sus ritmos, aunque el pentámetro yámbico conservó casi el monopolio. Según explica John Dryden, en su prefacio de la obra The Conquest of Granada, la rima en pentámetro yámbico tiene la dignidad apropiada para un tema elevado, permitiendo al mismo tiempo un enunciado completo y coherente. Dryden evoca aquí lo que las críticas denominaron más tarde la cuestión del “decoro”, es decir, la armonía de la forma y del sujeto, un problema que Davenant encontró mientras escribía su Gondibert. La solución de Dryden fue la de combinar el ritmo del pentámetro yámbico con un mínimo de encabalgamiento y aplicarlo formando un dístico cerrado (closed couplets) consiguiendo así unos pareados que tienen sentido por sí solos, sin necesidad de los siguientes. El resultado obtenido recibió el nombre de “dístico heroico” (heroic couplet) ya que resultaba adecuado sobre todo para los temas que requerían una mayor seriedad. Algunos autores reaccionaron en contra del dístico heroico burlándose de este ritmo: Samuel Butler en su Hudibras utilizó una parodia substituyendo los pentámetros por tetrámetros. Esta nueva forma fue bautizada como “versos hudibrásticos” y tuvieron gran aceptación, sobre todo en el mundo de la sátira. Jonathan Swift empleó este tipo de composición en muchos de sus poemas.

Aunque el paso del tiempo haya destacado a Dryden como figura principal del periodo, los contemporáneos de los años 1670 y 1680 consideraban por igual a todos los poetas cortesanos, donde el jefe indiscutible era entonces Edmund Waller. Además de Dryden, la poesía estaba dominada por el conde de Rochester, el duque de Buckingham y el conde de Dorset, todos ellos ligados a la corte de Carlos II. Por su parte, Aphra Behn, Matthew Prior y Robert Gould eran de origen plebeyo, pero no por ello menos fervientes realistas. Los poetas de la corte no seguían un estilo específico, aunque sus escritos se caracterizan por una sexualidad asumida y por una voluntad de ridiculizar y dominar a sus adversarios mediante las agudezas. Cada uno de estos poetas escribió también obras para el teatro. Las obras de Behn, Dryden, Wilmot y Gould merecen una especial atención. Sus obras Absalon and Achitophel y Religio Laici fueron de gran ayuda para Carlos II al presentar como lógicas algunas decisiones reales cuestionables.

Dryden fue especialmente prolífico y escribía tan deprisa que llegó a acusarse de “plagiarse a sí mismo”. Los géneros poéticos con los que trabajó son incontables: tanto antes como después de recibir el galardón de poeta laureado, escribió de forma regular odas públicas. Siguiendo los pasos de Walter Raleigh y Philip Sidney, utilizó también un estilo pastoril que recuerda a la poesía que se realizaba durante el reinado de Jaime I. Pero Dryden se caracterizó principalmente por sus obras apologéticas, destinadas a defender la monarquía restaurada así como a la iglesia de Inglaterra. Sus obras Absalon and Achitophel y Religio Laici fueron de especial ayuda para Carlos II, al presentar como razonables algunas decisiones reales controvertidas. A pesar de su reputación de seriedad, John Dryden se interesó también en la parodia heroica y escribió MacFlecknoe. Dryden, que no era de sangre noble, no se benefició jamás de los honores prometidos por el rey ni fue recompensado por los préstamos que le hizo al monarca. Sin embargo, durante toda su vida fue leal a Carlos II, actuando al mismo tiempo con un cierto oportunismo: poco después del ascenso al trono de Jaime II y el retorno del favor al catolicismo, Dryden intentó glorificar la Iglesia Católica con su obra The Hind and the Panther, colocándola por encima de cualquier otra religión. Esta conversión gentil del poeta cortesano ocasionó que se escribieran diversas sátiras sobre el asunto.

El duque de Buckingham también practicó la literatura cortesana. Sin embargo, al igual que el conde de Dorset, fue más un protector de la poesía que un poeta. Por el contrario, el conde de Rochester fue un poeta prolijo que llenó su tiempo con versos escandalosos. Los textos de Rochester poseen casi siempre un carácter sexual explícito, siendo a la vez muy políticos. Mientras la Restauración sucedía al interregno de Cromwell, este tipo de actitud equivalía a una declaración política y una provocación hacia los puritanos. La obra de Rochester tiene un aspecto lírico; el autor afirmaba que escribía para consolarse de su propia impotencia sexual, aunque en realidad la mayoría de sus obras son parodias de las formas poéticas clásicas y autorizadas. Es el autor de un falso poema de viajes Ramble in St James Park, que utiliza la reputación de este parque londinense para advertir de los peligros y sorpresas que pueden esperar en la oscuridad a un hombre que sólo pretende copular. Rochester es también el autor de algunos poemas pastoriles y de falsas odas como la de To Signore Dildo que narra con una grandilocuencia absurda la quema pública de una caja con contrabando francés en los muelles londinenses. Gran hedonista y partidario de la superioridad del espíritu, Rochester poseía un gusto especial hacia los cambios de situación y la alteración del orden establecido. Su deshonestidad fue la causa de su muerte precoz; su persona se presenta muchas veces como el arquetipo del libertino en la época de la Restauración.

En esa época también, el teatro formaba parte de la política pública así como de las decisiones reales, por lo que se obligó a algunos dramaturgos a producir un determinado número de obras antiguas; a Davenant se le encargó específicamente que se encargara de obras moralistas y edificantes. También se reinstauró el premio honorífico de “poeta laureado” (Poet Laureate): remunerado con un barril de coñac, el premio requería de su beneficiario la composición de odas de cumpleaños.

Carlos II se enorgullecía de su espíritu y sus modales mundanos. También tenía la reputación de ser un mujeriego. Por eso, la poesía libertina y de temática sexual contaba con el beneficio de la corte. Carlos y el duque de York (el futuro Jaime II de Inglaterra), fueron grandes protectores de las matemáticas y de la filosofía, lo que favoreció un cierto escepticismo científico entre la aristocracia. Fue, en este contexto, en el que Carlos II fundó la Royal Society; esta prestigiosa institución atrajo a numerosos cortesanos, como el célebre cronista Samuel Pepys, enviando a cambio a muchos de sus eminentes miembros hasta la corte. Carlos y su corte, instruidos con dureza durante su exilio, practicaron una política de tolerancia hacia la disidencia política y las doctrinas religiosas. Aunque era anglicano, Carlos deseó en secreto convertirse al catolicismo poco antes de su muerte, y el duque de York presentaba las mismas tendencias criptocatólicas. A pesar de que la Test Act estuvo en vigor durante todo el reinado de Carlos, el rey fue poco propenso a encarcelar o perseguir a los puritanos. Se limitó a descartarlos de los cargos oficiales y empleos públicos y les privó también de toda representación parlamentaria. Esto provocó que se pudiera desarrollar una literatura disidente durante su reinado, tanto en ciencias políticas como en economía.

Con el regreso de la monarquía, los autores se escindieron en dos movimientos. Por un lado estaban los que intentaban reanimar el espíritu de la literatura inglesa que florecía durante el reinado de Jaime I como si no hubiera pasado nada; por otra parte, el creciente interés por la novedad llevó a numerosos escritores a acercarse al modelo literario francés, especialmente a la sátira y a la parodia. Esta evolución se hizo especialmente evidente por la introducción de una cierta dosis de escepticismo inquisidor en los textos y por la creciente influencia del clasicismo entre los autores y las críticas.

Es cierto que La restauración inglesa es un periodo histórico atípico ya que su actividad cultural estuvo delimitada por un acontecimiento político singular: el retorno de la monarquía de los Estuardo. Se trata entonces de una época en la que la presencia y la personalidad del rey influyeron hasta tal punto en la vida literaria que se puede casi afirmar que la literatura de la época es un reflejo de la corte. Paradójicamente, los adversarios a la Restauración, como los puritanos, los republicanos y los demócratas, escribieron también a influenciados por la personalidad de Carlos II. Desde un punto de vista analítico, la Restauración cubre un periodo de tiempo en el que el rey y sus costumbres ejercieron un impacto determinado sobre el resto de la sociedad. Este efecto se prolongó más allá de la muerte del monarca aunque en algunos géneros literarios empezó a extinguirse antes que el propio Carlos.

Como cuenta Javier Memba, antes de convertirse en la primera escritora profesional de la literatura inglesa, cuenta su leyenda que Aphra Behn se entregó a toda suerte de disipaciones, fue espía en Holanda, amante de varios prohombres de la Restauración, incluido el rey Carlos II, abanderada de la inmoralidad y autora de una veintena de comedias cuya influencia fue determinante en el naturalismo de Jean Jacques Rousseau. El término “restauración” se aplica tanto a los hechos que provocaron la restauración de la monarquía como al periodo inmediato a la subida al trono de Carlos II.

Aphra Behn, Poeta, dramaturga y novelista, fue la escritora más famosa y de mayor éxito de su época. Poco se sabe con seguridad de su vida: pasó algún tiempo en Surinam, escenario de su novela más conocida, Oroonoko (1688), sirvió como espía inglesa en Amberes, estuvo presa en una cárcel para insolventes en Londres... Hoy se la reconoce como una pionera de la independencia femenina y una figura literaria fundamental.

La desinhibición en sus relaciones privadas, que pronto se hacían públicas, el tratamiento de la sexualidad y el papel activo e independiente de las protagonistas de sus obras le acarrearon numerosas críticas y escándalos a la vez que la influencia necesaria para satisfacer su interés económico.

Aphra Behn, nació probablemente en julio de 1640 como segunda hija de Bartholomew Johnson, un humilde barbero, y Elizabeth Denham, y fue bautizada el 14 de diciembre; se discute mucho sin embargo su lugar y fecha de nacimiento. Fue llevada muy niña a la Guayana holandesa, en Surinam, donde asistió adolescente a varias rebeliones de esclavos, vivencias que luego plasmaría en su novela Oroonoko; al pasar Surinam a manos holandesas volvió a Londres a los dieciocho años (1658), y casó en 1664 con un comerciante alemán de apellido Behn, muy acaudalado, con lo que pudo alternar con la brillante y licenciosa sociedad de la Restauración. Su apellido de soltera, como tantas otras cosas referentes a ella, nos es desconocido. De lo que no hay duda es que fue su marido quien la introdujo en la licenciosa sociedad de la Restauración. El ingenio de la muchacha, que pasaba de cama en cama sin ningún rubor, no tardaría en llamar la atención. Así, tras la misteriosa muerte del esposo, Aphra llega a ser una de las mujeres más admiradas en los salones de postín.

Tras la oscura muerte de su marido a los tres años de matrimonio, llegó a alcanzar un éxito desmedido a causa de sus sonadas conquistas amorosas, entre ellas al parecer al mismo rey Carlos II, para el cual trabajó como espía en Amberes en 1666 durante la guerra con Holanda (1665-1667) bajo el nombre falso de Astrea, a cambio de una paga miserable. Pero la viudedad, además de la libertad precisa para sus licencias, también habría de acarrearle la pobreza. Corría el año 1670 cuando, sumida en la miseria, se vio impelida a ganarse la vida. Fue entonces cuando empezó a escribir.

Perdió su fortuna y al volver a Inglaterra pasó un breve tiempo en prisión por deudas, por lo que a partir de 1670 tuvo que sostenerse solamente de la literatura.

Pero la Aphra Behn que habría de pasar a la posteridad era la narradora, y no la autora dramática. "Oroonoko o el esclavo real", la novela que habría de procurarle la gloria literaria, es una historia tan avanzada a su tiempo como insólita en su propuesta. Publicada en 1678 y protagonizada por el príncipe heredero de un supuesto reino africano -Coramantien- es considerada la primera novela antiesclavista. Idealizando al salvaje como nadie lo había hecho hasta entonces, la escritora nos cuenta cómo Oroonoko, tras casarse con la bella Imoindia, es vendido junto a su esposa como esclavo. Separados por sus amos, el matrimonio volverá a unirse con posterioridad. Oroonoko capitaneará entonces una revuelta de esclavos. Capturado por sus enemigos, morirá entre terribles torturas.

El realismo que impregnaba aquellas páginas, primeras en las que se hablaba de una negra guapa, es un claro precedente del de Daniel Defoe. Pero Aphra Behn nunca llegó a tener noticia de su insigne discípulo: murió en Londres en 1689, quince años antes de que Defoe empezara a publicar sus primeros artículos en "The Review".

Oroonoko es un personaje verdaderamente carismático. Su autora lo presenta más como un habitante europeo que como un poblador africano. Todo esto hace referencia a la propia ambigüedad en la novela. ¿Es qué acaso Oroonoko era más inteligente, valiente y mejor? ¿Por qué se parecía a un habitante europeo? Toda esta clase de paradojas podremos escudriñarlas tal y como vamos avanzando en la novela. El lector podrá discernir sus propias ideas y opiniones. Muchos críticos hablan de que es una novela abolicionista, en contra de la esclavitud, y, de hecho, podremos ver como Aphra Behn da un protagonismo a esos esclavos que siempre habían aparecido mencionados en otras novelas de la época como simple relleno, pero no como personajes en sí, personas que sufrían y que querían librarse de un yugo opresivo.

El lenguaje de la novela es muy claro, las descripciones merecen una lectura obligada porque tienen una carga más allá de los propios adjetivos. El simbolismo, la ambigüedad y, por supuesto, la tremenda crudeza de algunas imágenes que son relatadas en la historia hacen que sea una novela de lectura obligada para aquellos que estén interesados en el tema.

Es una novela muy rápida de leer por su intriga. Te capta desde la primera hoja, por la historia de los protagonistas, por esa ambigüedad retratada, el tema de la esclavitud y las injusticias. El honor de los hombres de la corte, el sufrimiento de los esclavos, el sufrimiento del amor, son temas que se acercan irremediablemente a los sentimientos del ser humano y, por tanto, del lector. Es una novela que juega con un gran simbolismo, como lo es el cuerpo. Las escenas descritas de tortura son de una crueldad extrema. Si alguien quiere leer algo diferente, Oroonoko es la novela. Nos recordará a películas tan épicas como Braveheart y Gladiador, por la resistencia del personaje principal y por su situación, de noble a esclavo.

Behn fue la primera escritora profesional en la literatura inglesa, trabando amistad con escritores importantes como John Dryden; compuso una veintena de audaces comedias de argumento amoroso, poemas, dramas y novelas, entre las que destaca, por supuesto, Oroonoko o El esclavo real (1688), consideraba –como ya decíamos- la primera novela antiesclavista y donde se anticipa el realismo de Daniel Defoe, por lo que se considera además la madre de la novela inglesa. En esta obra subvierte las ideas de su tiempo sobre los pueblos "no civilizados", y muchos ven en ella la primera novela filosófica en lengua inglesa, antecesora del Emilio de Jean Jacques Rousseau. Lo que es indudable es que impulsó el desarrollo de la novela inglesa; además, proporcionó la base para la tragedia homónima del dramaturgo inglés Thomas Southerne (1695). También es interesante la primera parte de Love Letters Between a Nobleman and His Sister (1683), una novela epistolar en clave que es la primera en la literatura inglesa.

En 1688 publicó también dos relatos en prosa, The Fair Jilt y Agnes de Castro, esta última sobre el famoso tema de la desdichada muerte de la amante del rey de Portugal Inés de Castro. Entre sus colecciones de versos destacan Poems on Several Occasions (1684) y Miscellany (1685). Aphra Behn se dedicó también a hacer traducciones desde el francés y del latín al inglés.

Lo mejor de su arte se contiene sin embargo en sus comedias, entre las que destacan The Forc’d Marriage (1670), esto es, El Matrimonio Forzoso, Las Cortesanas Fingidas y The Rover, El Vagabundo, obra en dos partes fechadas en 1677 y 1681 respectivamente, donde narra las aventuras de un grupo de caballeros ingleses en Madrid y Nápoles durante el exilio de Carlos II. En su farsa El Emperador de la Luna (1687) se inspira en la Commedia dell Arte, haciendo avanzar el género de la pantomima moderna. También son importantes La madeja (1677, segunda parte 1681), La heredera (1682), una sátira de la vida londinense, y Golpe de suerte (1686), donde aborda uno de sus temas favoritos: el disparate que suponen los matrimonios de conveniencia. Alcanzó con estas obras patrocinadas por el duque de York un éxito formidable. Su cinismo y actitud desinhibida en cuestiones sexuales y su exaltación de la pasión y el placer la hicieron en extremo popular. En sus obras trata preferentemente la relación entre el sexo y el poder, tanto en lo personal como en lo político. Su actitud desenvuelta e independiente no se consideraba propia de una mujer, por lo que tuvo que soportar una cierta fama de libertina. Fue sepultada en la Abadía de Westminster, y posteriormente, Virginia Woolf reivindicaria su memoria en la obra Una habitación propia.

Obras

· The Forc’d Marriage (1670).

· Las Cortesanas Fingidas.

· The Rover, primera parte en 1677 y segunda en 1681.

· La madeja (1677), segunda parte (1681).

· La heredera (1682).

· Oroonoko o El esclavo real (1688)

· Golpe de suerte (1686).

· El Emperador de la Luna (1687).

· Poems on Several Occasions (1684)

· Miscellany (1685)

· Las fábulas del deseo y otros poemas.

· Love Letters Between a Nobleman and His Sister (1683).

· The Fair Jilt (1688).

· Agnes de Castro (1688).

Oroonoko sin embargo, forma parte de las novelas más antiguas escritas en lengua inglesa, y ocupa un sitio privilegiado en la Literatura de la Restauración inglesa.

Primera edición de Oroonoko de Aphra Behn

El título completo de la Obra es Oroonoko: o, el Esclavo Real. La novela habla de Oroonoko, el nieto de un rey africano, que se enamora de Imoinda, la hija del general superior de aquel rey.

El rey, también, se enamora de Imoinda. Él da a Imoinda el velo sagrado, ordenando así que se convirtiera en una de sus esposas (Aphra Behn representa a las tribus africanas como practicantes la poligamia). Después, de mala, gana pasaba su tiempo en el Harén del rey. Imoinda y Oroonoko planearon una cita con ayuda de los comprensivos Onal y Aboan. Sin embargo son descubiertos, y a causa de esto el rey decide vender a Imoinda como esclava. Oroonoko, también, es cogido en la trampa y capturado por el capitán maquiavélico de un buque negrero. Ambos presos son llevados a Surinam, que en la época era una colonia Inglesa del Caribe cuya economía estaba basada sobre las plantaciones de caña de azúcar. Oroonoko e Imoinda tienen la oportunidad de reencontrarse allí aunque con nombres cristianos Caesar y Clemene, pero la belleza de la joven chica suscita la codicia del diputado-gobernador, Byam.

Oroonoko resuelve organizar una rebelión de los esclavos: todos ellos son perseguidos por los soldados e invitados a rendirse cuando Byam les promete una amnistía. Sin embargo cuando los esclavos de rinden, Oroonoko es azotado. Deseando con ansia vengar su honor y expresar su cólera Oroonoko asesina al diputado-gobernador, sabiendo que sería buscado, encontrado y ejecutado. Por temor de que Imoinda tuviera que sufrir violencia o humillación después de su muerte, Oroonoko pretende matarla también; ambos amantes discuten sobre el plan que hay que seguir, e Imoinda le da su consentimiento. El amor que siente Oroonoko le impide matar a su amada, pero logra apuñalarla. Imoinda muere con una sonrisa en la cara. Oroonoko es atrapado y le impiden suicidarse. Sólo para ser eliminado por medio de una ejecución pública. Durante su muerte por desmembramiento, Oroonoko con calma se fuma una pipa y estoicamente resiste todo el dolor sin gritar.

Después de la muerte de Oroonoko, el imperio holandés asume la colonia y trata la sublevación matando sin piedad a los esclavos.

La novela fue escrita mezclando la primera y la tercera persona, relatando acciones en África y luego retratándose como un testigo de los sucesos que tienen lugar en Surinam. En la novela, el narrador se presenta a si mismo como una señorita que ha venido a Surinam con su padre. Él estaba llamado a ser el nuevo diputado-gobernador de la colonia. Sin embargo muere en el viaje desde Inglaterra. La narradora y su familia se establecieron en la casa más bonita de los alrededores, y los encuentros que hace la joven europea con los autóctonos y los esclavos son entrelazados a la historia de los personajes principales. Al finalizar la novela, la narradora abandona Surinam y retorna a Londres.

Estructuralmente, la obra se divide en tres piezas significativas que no discurren de manera estrictamente biográfica. La novela abre con una declaración de veracidad, donde la autora certifica que su obra no constituye un relato de ficción o una historia pedante. Ella afirma haber sido testigo presencial, de no haber adornado el relato y de basarse sólo en la realidad. En la primera parte, se acentúa la descripción de Surinam y de los indios americanos. Aphra Behn ve en estos autóctonos una población sana y simple que todavía parece vivir en la Edad de Oro, como parece probarle el hecho de que precisamente se encuentra oro en esta comarca. Es sólo después de los dos prólogos que la narradora empieza la historia de Oroonoko, con el complot entre su abuelo y el capitán auxiliar, la cautividad de Imoinda y su propia captura. La siguiente pieza está en el presente del narrador, Oroonoko e Imoinda se reúnen, luego encuentran a la narradora y a Trefly. La tercera sección contiene la rebelión de Oroonoko y las consecuencias de ésta.

Oroonoko es ahora lo más estudiado de las novelas de Aphra Behn, pero este no fue aceptado inmediatamente en su propio tiempo. Se vendió bien, pero fue la adaptación para el teatro que hizo Thomas Southerne la que popularizo la historia. Después de su muerte, la novela comenzó a ser leída otra vez, y desde aquel momento en adelante las afirmaciones del narrador de la novela sobre los hechos, y su veracidad y la verdad de toda la trama de la novela, ha sido aceptada y cuestionada con mayor y menor credulidad, ya que la señora Behn no estaba ya disponible para confirmar o desmentir cualquiera de los datos.

No en vano puede ser considerada la primera escritora inglesa profesional, ejerciendo como dramaturga, poeta, novelista y traductora. El hecho de ser mujer y de dedicarse a abastecer con su pluma los gustos de Carlos II y su corte, con el mismo tratamiento y mejor calidad que muchos de los escritores de su tiempo, la convierten no sólo en un precedente de la defensa de la igualdad de la mujer que ya elogiara Virginia Woolf, sino en una autora de reconocida valía literaria.

Pocas personas representan la época y el espíritu de la Restauración como Aphra Behn. Vivió intensamente todos los avatares políticos de la época, como espía y como escritora, siempre al lado de la monarquía. A pesar de sus limitados ingresos económicos, formó parte de la corte, y en su vida privada vivió tan libre e independiente como pudo y la sociedad le permitió. Sus obras reflejan el espíritu libertino de la época sin tapujos y con total honestidad. El protagonista masculino de «El aventurero», Willmore, es uno de esos «realistas» proscritos (seguidores de Carlos I durante la Guerra Civil inglesa) que se vio forzado al exilio y viajó por toda Europa en busca de aventura y fortuna. Willmore persigue a cuanta mujer le pasa por delante, pero tiene que enfrentarse con la actitud desafiante de las protagonistas femeninas, que reflejan con ella la crítica de la autora al sometimiento y la obligación sexual y matrimonial de las mujeres en su época. Los «whigs» son el blanco de las críticas de la autora en «La heredera burguesa»: antimonárquicos y puritanos, eran en realidad unos hipócritas, tan pecadores y lujuriosos, mentirosos y avariciosos, como los realistas.

El traductor Jesús L. Serrano Reyes ha editado en Siruela el libro El príncipe Oroonoko y otros relatos, pues piensa que Aphra Behn "fue una mujer adelantada a su tiempo, que vivió de una manera poco convencional, viajando mucho, poniéndose al servicio del espionaje de la corona inglesa, tratando de vivir desde una libertad sexual, una posición social y profesional que eran algo privativo del sexo masculino en esa época". El investigador recoge una cita de Virginia Woolf, en su obra Una habitación propia , para resaltar la importancia de Aphra Behn. Así, Woolf indica que "todas las mujeres debieran poner flores en la tumba de Aphra Behn", ya que, según Serrano Reyes, es "un ejemplo de luchadora en defensa de la independencia e igualdad de las mujeres".

En este sentido, piensa que Aphra Behn destaca porque "en sus obras aporta la singularidad de ser una mujer la que escribe como lo podía hacer un hombre, pero adoptando ideas y creando personajes femeninos que, de forma adelantada para su época, asumen el protagonismo en temas como el matrimonio y la sexualidad".

El príncipe Oroonoko está considerada como la primera novela que se desarrolla en África y América, además de ser un precedente contra la esclavitud. El libro se compone de doce narraciones con diferente extensión. Entre las más elaboradas se encuentran La hermosa casquivana y El príncipe Oroonoko.

Si Aphra Behn constituye una excepción curiosa a las reglas sociales de la época, hay que destacar tambiénvarios otros ejemplos, como el caso de Robert Gould. Nacido en una familia común y huérfano desde los trece años, Gould no recibió ninguna educación y se convirtió en sirviente al servicio del conde de Dorset. Esto le permitió, no sólo aprender a leer y escribir en inglés sino también en latín. Los poemas que escribió alcanzaron gran popularidad en los años 1680 y 1690. El autor realizó diversas odas para conseguir ingresos pero el éxito le llegó en 1690 con la obra Love Given O'er, or A Satyr Upon Woman. Inspirada en una sátira de Juvenal mucho más moderada, el poema de Gould pretendía condenar el “orgullo, la lascividad y la inconstancia de la mujer” y contenía un número de invectivas explícitas destinadas al género femenino. La misoginia de la obra es una de las más duras y viscerales de toda la poesía inglesa. Todas las ediciones de la obra se agotaron con facilidad gracias al entusiasmo de los lectores. Después escribió una sátira sobre el teatro (Satyr on the Play House) conteniendo descripciones detalladas de los actores y del mundo del espectáculo de la Restauración. Gould siguió explotando el éxito de Love Given O'er: Or a Satyr on the Inconstancy of Woman publicando una serie de poemas misóginos, con contenidos específicos y concretos sobre el comportamiento de la mujer. Sus textos están plagados de damas de la aristocracia que, aún teniendo dinero, prefieren pagar al cochero con una felación, y de mujeres haciendo el amor en un coche donde el placer se multiplica gracias a los saltos del vehículo sobre el pavimento. La carrera del autor fue breve pero muestra la vivacidad de un mundo literario subterráneo e inmensamente sexista. Tras la conversión de John Dryden al catolicismo, Gould entabló una auténtica guerra literaria con él. En Jack Squab ataca de forma despiadada la ausencia de fe de Dryden. Que un simple escritor sin linaje pudiera criticar así a un poeta de la corte es notable. Que además lo hiciera sin contar con el apoyo de su protector es aún más asombroso.

Roger L'Estrange, sin embargo, fue un traductor importante de la época: contribuyó a la traducción al inglés de una gran parte de la literatura clásica, en particular, de las fábulas de Esopo. Estas últimas suscitaron el entusiasmo de escribir nuevas fábulas, normalmente de tono político. Además de poesía, el autor tradujo un gran número de obras en prosa, destacando las de Erasmo de Rotterdam en 1680 y las de Francisco de Quevedo de 1668. Otros, como Richard Blackmore eran admirados por la fuerza de sus palabras, es decir, la fuerza de su declamación y de sus sentimientos, pero no pasaron a la posteridad. Elkannah Settle, por ejemplo, fue un escritor de sátiras prometedor de la Restauración pero su nombre cayó en el olvido. Cuando los libreros se animaron a contratar autores para trabajar en traducciones de obras escogidas, las tiendas se llenaron rápidamente de poemas llegados del extranjero. Por último, paralelamente al desarrollo de las publicaciones periódicas, un cierto número de poetas anónimos pudieron componer textos temáticos referentes a la actualidad.

La forma más extendida de publicación clandestina era la dedicada a la sátira, escrita a menudo por autores conocidos o desconocidos que vigilaban que no se hiciera pública su identidad. Ser identificado como el redactor de una sátira presentaba grandes riesgos: por un lado, las leyes sobre difamación tenían una interpretación muy amplia y era difícil para el autor evitar las actuaciones judiciales si se establecía quien era el autor de un texto que parecía criticar a un miembro de la nobleza; por otra parte, las víctimas más ricas respondían a la sátira contratando secuaces que se encargaban de agredir al autor. Una de las consecuencias de este anonimato generalizado es que numerosos poemas, algunas realmente destacables, no fueron publicados y permanecieron ocultos durante mucho tiempo. Esto afectó sobre todo a los poemas que trataban sobre intrigas de poder, criticaban al gobierno o extendían rumores sobre la conversión de Jaime II de Inglaterra al catolicismo. La mayoría de estas obras no se conservaron.

La prosa de la restauración inglesa estuvo dominada claramente por la literatura de inspiración cristiana. La época, no obstante, vivió también la eclosión de dos géneros que iban a destacar de forma considerable en el siguiente siglo: la ficción y el periodismo. Los escritos religiosos se teñían, a menudo, de tintes políticos o económicos.

Aphra Behn, sin embargo, falleció el 16 de abril de 1689, y fue sepultada en la Abadía de Westminster.

Jorge Collao Galleguillos

PROVOCACIONES.

2011-06-17T09:17:00.001-07:00

Primera Provocación.

Desterrar la palabra Cultura: La misma palabra es una forma de aislamiento, de cosificación y momificación de una materia viva, cotidiana, vital.

Segunda Provocación.

La cultura no se puede definir sino vivenciar: Pues es eso, la forma de vivenciar nuestro espacio colectivo y humano. Y hacerla viva es nada mas que estrechar lazos de comunicación que vayan mas allá del acto o el símbolo de comunicar, es una voz que une no solo a quienes habitan nuestro espacio, sino que también nos une con quienes lo habitaron, y con quienes lo habitarán.

Tercera Provocación.

Vivenciar nuestro espacio colectivo implica sensibilidad y creatividad: Somos materia compleja y heterogénea, y debemos aprender a expresarnos en esa realidad, pero también a interpretarnos en esa realidad. La formalidad y los convencionalismos ocultan dobles intenciones, solo en la vitalidad de nuestro espacio colectivo y humano, está la transparencia.

Cuarta Provocación.

El arte y el artista no son experiencias extraordinarias: No están por encima del mundo ni de nuestra realidad. Si hacemos de lo extraordinario una experiencia cotidiana, el valor del arte y del artista nos será común a todos y la maravilla estará en que creceremos en sus obras, nos hallaremos en ellas, en comunión con otros, con otras alegrías, con otros dolores, con otras sutilezas, con otras bizarrías, con otros universos.

Quinta Provocación.

Puede haber un artista que no sea militante, pero no puede haber un militante que no sea un artista: no se puede cambiar el mundo sin imaginación, sin creatividad, sin locura, sin rigurosidad, sin innovación, sin riesgo.

Sexta Provocación.

Legitimar la creación, legitimar los espacios vitales: Ese ha de ser el punto básico de discusión y aprendizaje. ¿Porqué? Porque vivimos en el claustro de una sociedad injusta, represiva, limitante, cartucha, castrante, indolente, individualista. No luchamos por leyes, por legislaciones, sino por asentar de hecho una forma de ver el mundo.

Jorge Alberto Collao

La Serena

Septiembre del 2003.

LIBRO "RUTA 5" DEL POETA OSCAR ELGUETTA.

2011-06-17T09:14:00.001-07:00

Ediciones “El mundo al Instinto”,Impreso por “Mosquito Comunicaciones”.

Editado por el Fondo para ediciones del Departamento de Cultura de la Ilustre Municipalidad de Coquimbo.

Ruta 5 norte es, a mi entender, una clara muestra del oficio del poeta. De la definición de una voz sólida y particular en la escena poética nacional, que bajo el pecado de nacer, vivir y escribir en provincia, se encuentra relegada como tantas otras, a quedarse fuera del escenario de la poética chilena reciente. ¿Por qué sucede esto? ... es un tema complejo que nunca ha podido ser revertido y obedece mas bien, a razones eminentemente sociológicas que a las meramente literarias. Pero Ruta 5 norte es también, el talón de aquiles de todo poeta relegado a la provincia, infectado por la mediocridad reinante del medio que, sin embargo, el poeta ha sabido combatir hasta un punto en que bien pudiera ser, que existiese la habilidad y sensibilidad necesaria para descubrir en sus textos una variedad de claves que lo constituyen en un hito interesantísimo a desentrañar.

Ruta 5 norte esta cimentado sobre cuatro cuerpos fundamentales cuya coherencia se encuentra mediatizada por una concepción autorreferencial de su poética, lo que facilita que el corpus total del texto quede un tanto a la deriva y haga mas tortuosa la accesibilidad del lector: no podemos calificar intenciones sino hechos, pues la profusión de poesía termina limitando la potencialidad del texto. Pero aún así, el sentido de lo abigarrado puede tener alguna coherencia tanto en la concepción poética como en la cosmología del autor, por lo que el título, de ubicuidad manifiesta, marca ya una interesante contradicción que irá develándonos el sentido último de la poética de Oscar Elgueta: el desarraigo.

Pero el desarraigo del hablante no es el desarraigo de la tierra o los recuerdos, sino el desarraigo de su propio yo interior que flota en una carcaza de realidades que son, en última instancia, una forma de autoreferenciarse para no perderse.

En Fuera de Borda (18 poemas), el hablante muestra su mayor coherencia “Para que lo pintes ( )/para que pintes la vida/de un cotidiano sabor a puerto” (Estudio 1) en que no se presenta el hablante sino su entorno porque aún el hablante, no se sabe a si mismo, sino lo que tiene a su alrededor. Los poemas siguientes comienzan el acercamiento hacia si mismo a través de otros (Madrugadoras), y a través de los rituales cotidianos (Doméstico), pasándo por la agonia de este proceso de acercamiento a si mismo en donde nos asalta la invitación a poner atención en ciertas ocultas claves; “( )abramos / la puerta que nos detiene hasta /

Corregir /la ceguez/ de no amar a nadie ( )”(SOS), hasta llegar al primer hito interesante en Verano en frío donde el hablante está ya en posesión de si mismo, entre la libertad de lo desconocido y la doliente realidad que, sin embargo, nos define; “entro/al bar del mundo/tocando campanas de sol y ventolera que sacuden/los techos y arenales que cubren Coquimbo habré/por fin/recibido/ la hostia dominical/ de mis párvulos pecados de vejez ( )”.

Los poemas Kafka, Miles Davis y Baile de chinos oscilan entre el intento de enfrentar la realidad “Lunes/que vuelvo a los muelles/ a impregnarme del aceite que rodea/la bahía que me deletrea angustia ( )” a la búsqueda del disfrute sensible como redención “y siento/el pulso de la noche/el silencio que da sombra/a esta hoja separada y reunida ( )” y finalmente donde el mundo irrumpe con su bullicio, a distraer un poco la búsqueda y el vacío “Irrumpe el baile de chinos ( )/y caen/al abismo/los derrotados/y enfermos incurables/que peregrinan por estas ruinas".

Entonces, desde Verano en frío hasta Poetas y palomas, hay un salto poderoso en que la angustia del desarraigo de si mismo logra al menos un punto de apoyo. Ya no es la angustia impalpable de la propia existencia, sino el consuelo de juzgar al mundo como cosa concreta y real, con un instrumento ahora ya internalizado; la poesía “me/digo/que la muerte/es una página en blanco/llenada/solamente / por el infortunio/ porque sabemos que lo prohibido existe ( )”. Y de aquí en adelante, el ciclo tiende a repetirse como en una espiral, en un crescendo en que el lenguaje de lo meramente sensible va acrecentándose apareciéndo en Febrero 14 la tenue promesa del amor como posibilidad redentora, hasta llegar a Loteria Mayor donde subyace el primer intento de ser-en-el-mundo “acá/los de la cancha/al frente los del ruedo/a un costado/los rayueleros/en la esquina el aparecido/y a la vuelta de la hoja el inmolado.” Los poemas Kavafis, Año nuevo, parten de un sentido ubicuo ya mas denso y le permiten, aún en el equilibrio precario de éste asidero, abordar el mundo en sus fenómenos mas complejos, con su carga intelectual “la línea parece entrar de pronto/el color que pasa del naranja/al marfil/( )Number 3 Tiger/Composition with pourin II/1943/Jackson Pollock/ el gesto y la pintura ( )”, hasta el retorno a los lugares sagrados de ese micromundo descubierto hasta ahora “transparente/en este Coquimbo turbio/y nublado que va deslizándose ( )” (Bajo cero) , “en día/de descanso/sobre la piedra donde años atrás dormí desnudo/abrigándome de sueños cubriéndome de espanto/y sed/Hotel Inglés/eres mi propio muelle/atracadero ambulante de un paraíso ( )” (Hotel Inglés), dando asi por terminada la odisea interior de la primera entrega.

En su segunda entrega, Golpe de remos (1997), hay una conexión que no hace traumático el giro “Tu nube es un niño más” (Hotel Inglés), “con un bebé en los ojos de Coquimbo” (Rene Guy-Cadou), donde el tema de la búsqueda de identidad resurge nuevamente pero en un sentido ya un tanto menos angustiante, hasta que en Cita póstuma el poeta toma cierta distancia, con la muerte como excusa “Quincena de febrero/asistiendo a la misa y la despedida/póstuma del frustrado viaje a la perla/del Limarí ( )”, pasando por Rocinante, Clásicos, Antología, Oficio, Alturas, como ejercicios de diálogo con la poesía, propia y de otros, para a través de ella, llegar a un principio de aceptación de si mismo en Trizado espejo “todos/mis movimientos ahí/ se repiten una y otra vez en la penumbra/trazo/la espumosa espuma/con la navaja que va creciendo/silencio de vidrio al infinito ( )”, hasta el Habitante de Idaho, en cuyo sosiego conecta con el anterior Poeta y palomas cerrando un invisible círculo de la poesía como magia redentora “acompañado por maestros del habla/que emocionan esta distancia de siglos/vividos/para deleitar/una sinfonia de palabras únicas/acá/hay amor/luz y amor/en el destierro y el olvido/cuando se recurre a estudio y lectura ( )”.

En la tercera entrega, Noticias del reino vigilado (1999), se abandonan de golpe las sutilezas de las entregas anteriores, pues el hablante ha hallado en el lenguaje su ubicuidad, tras la cual los temas recurrentes se vuelven mas cristalizados, menos introspectivos; Viajes, Anonimos Temporeros, Recuerda, Músico callejero, Reciente, Noticias del reino vigilado, Recibo pequeños mensajes, Avanzada vejez, como Hombre Muerto en la vía pública, hasta Debes viajar al sur, dan cuenta quizas de cierta soberbia que no es sino un intento desesperado por ahogar la angustia expresada en la primera entrega, con el poder del oficio poético, la práxis poética como salvación, donde su fortalez reside en las angustias del mundo por sobre las propias “yo sé/cuando el día tiene luz/y el mar cambia de color según el oleaje/yo se que alguién viene al mundo con noticias/donde me dicen/que debo ausentarme de mi mismo ( )” (Entradas y salidas), hasta llegar a Ruta 5 norte con 24 poemas, la entrega más numerosa, ya no es solo la práxis poética como fenómeno redentor, sino como artefacto cotidiano y entelequia cómplice, un instrumento-para-ser, mediadora del mundo “y eso me recuerda un poema de “Luces/del Puerto”/donde hablaba de algo parecido/en tercera o cuarta persona pero esto/es diferente y suena distinto a algo/semejante/a mis oídos/me equivoqué en borrar/calles paisajes y teléfonos/lugares comunes de la región y otros ( )” (Distraido), donde la vida cotidiana es enfrentada con una valentia que solo puede venir de la poesía, como una forma de habilidad para vivir, que queda demostrada en cada uno de los poemas de Ruta 5 norte como cuarta entrega: de muestra un botón, en Tocándome los 50; “tu sabes/que amo los bosques/y las raices y el humos y la escoria/de las olas o el beso que me negaste es lo/que mas amo/pero busqué debajo/de la cama mis zapatos/y vi muertos y campos de batallas/y fuego saliendo por los tejados del mundo/agonizando vi/tocándome los 50.”, en que la madurez del hablante-poéta no interviene el mundo, sino que es a pesar de el, como forma de aceptación del desarraigo, como un minusválido que aprende a usar sus muñones, para pintar maravillas y dolores.

Entonces, como se ve, quizá el mayor pecado consista en que la poesía ha tomado la vida del poeta por el mango, y el pequeño dios pasó a ser el gran esclavo. Lo que leo en la poesía de Oscar es el proceso particular de su voz interior mas bien como proceso sicológico que como proceso poético. Porque el oficio aquí consiste en vivir en poesía mas que hacer una poesía de la vida ... ¿el poeta sabe esto?...si lo sabe está en un callejón sin salida y si no lo sabe, nada mas tiene que habrir la puerta...¿Qué habrá después de la cuarta entrega Ruta 5 norte? Poesia-Elgueta son Jeckil y Hyde...¿Quién es quien?...a veces uno o el otro, ninguno se domina...en esa relación estarán los frutos. Ser, no es lo mismo que hacer. Pero Tocándome los 50 es brillante como frontera no porque sea mejor que otros de Ruta 5 norte (2002) donde el buen oficio es claramente identificable, sino porque logra-logran una voz única, propia, con ciertas licencias de sus poeta favorito (serán otro que Withman y Pound?) en un tono rítmico con el cual las imágenes tienen alguna deuda, demasiado cómplices de los temas en boga; Coquimbo es una escusa.

Jorge Alberto Collao

Coquimbo-Abril del 2003

ELEMENTOS PARA UNA REVOLUCION ESTETICA.

2011-06-17T09:13:00.001-07:00

Introducción:

Esto no puede venir sino de un punto de vista personal que, al ser expuesto aquí, en estas condiciones, intenta encontrar eco entre quienes reflexionen estas notas. No se trata pues de cuanta razón pueda yo tener o no, puesto que la realidad es siempre más certera que nuestras capacidades para entenderla. Se trata sin embargo de la ideación de un primer soporte, de unos preceptos básicos que más allá de intentar cimentarse definitivamente, nos ayuden mas bien a abrir un campo para nuevas reflexiones y experimentaciones. Por eso es que trato de ser sintético y escueto, poniendo las primeras piedras, que serán o no parte final de un edificio en eterna construcción, lo que venga después deberá ser responsabilidad de todos, en un sentido verdaderamente colectivo que, sin embargo, contemple lo heterogéneo tanto como intentamos soñar una nueva sociedad con las limitaciones propias de un pensamiento simbólico, siempre reduccionista cuando se trata de la sociedad-real, y con una inconsistencia moral que se reafirma en su perfectibilidad: nuestra certeza en el Hombre Nuevo (léase Ser-Humano-Nuevo) debe basarse precisamente en esto, en nuestra humildad y lucidez para representar realmente lo que somos, y lo que queremos ser, para proponerlo con las armas mas justas, mas nunca imponerlo con las miserias mas cotidianas, o las aberraciones mas históricas, en el entendido que asumimos la necesidad y la responsabilidad de actuar, por sobre el puro intelectualismo.

1.- Si como primer punto en discusión, definimos en términos generales al fenómeno de la Cultura como un conjunto de rasgos distintivos, espirituales y materiales, intelectuales y afectivos, que caracterizan a una sociedad o grupo social en un periodo determinado. Tendríamos que englobar además a los modos de vida, ceremonias, arte, invenciones, tecnología, sistemas de valores, derechos fundamentales del ser humano, tradiciones y creencias. Y concluir que a través de la Cultura el ser humano se expresa, toma conciencia de si mismo, cuestiona sus realizaciones, busca nuevos significados y crea obras que le trascienden.

2.-Como segundo punto, introduciremos un concepto clásico de la antropología social como instrumento de reflexión, cual es el de área cultural (Clark Wissler, Edward Sapir, Alfred Kroeber, Franz Boas y Melville Jean Herskovits), el cual define un área cultural como un espacio imaginario, social y geográfico en el que son comunes las relaciones sociales, los sistemas de valores, los modos de vida, las tecnologías materiales y, en menor medida, las características ecológicas para las personas que lo habitan.

3.- Dentro de este amplio aspecto de la Cultura como fenómeno global y complejo, que existe vital a nuestro alrededor y en nuestra cotidianidad, hemos definido un primer método de acercamiento cual es el concepto de área cultural, y por lo tanto, desde el punto de vista revolucionario, somos ya capaces de involucrarnos con este con una mínima capacidad critica, que depende de la claridad con que estemos soñando una futura sociedad.

4.- Nuestro quehacer político, que esta definido colectivamente en nuestra concepción de partido, nos impele a actuar en la sociedad para ejercer influencia en la realización del cambio que deseamos y esto, inevitablemente, nos enfrentara a muchos y variados aspectos de lo que estamos entendiendo por Cultura. Y pertenece al ámbito global de la lucha política que estamos llevando a delante, lucha política que está definida por su carácter social y, a través de este, su carácter cultural. De modo que, la lucha política, por ser social es, fundamentalmente, cultural.

5.- Entendidas estas relaciones, en que todo funciona mas bien fisiológicamente que en un sentido mecanicista, nuestro propio acervo cultural, nuestra capacidad para relacionarnos socialmente, nuestra empatía con la variedad de expresiones sociales serán nuestra mejor herramienta para hacer política, para ser mejores militantes, y para hacer un mejor partido.

6.- Pero hay un ámbito especifico que esta comprendido en el fenómeno cultural, que escapa al hecho pragmático de hacer política, puesto que dicha manera de hacer política trabaja con un “lenguaje”, con ciertos “hechos simbólicos” ya establecidos en la sociedad en la cual luchamos, y de los cuales hacemos uso para comunicar nuestras ideas y para reorganizar la sociedad. Este ámbito especifico, distinto, no ajeno pero peculiar al cual me refiero, es el ámbito del arte.

7.- Si entendemos, en principio, al arte como una actividad que requiere un aprendizaje y puede limitarse a una simple habilidad técnica o ampliarse hasta el punto de englobar la expresión de una visión particular del mundo. Y en un sentido mas amplio, que hace referencia tanto a la habilidad técnica como al talento creativo en un contexto musical, literario, visual, de puesta en escena, etc., el arte procuraría entonces la experimentación de vivencias que pueden ser de orden estético, emocional, intelectual o bien combinar todas estas cualidades.

8.- Entonces, en un sentido revolucionario, el valor agregado del arte, en cualquiera de sus expresiones, estaría dado por el poder de renovación y critica de los códigos sociales imperantes, y sobre todo, por el poder del dominio simbólico que las clases dominantes ejercen sobre toda la sociedad. Y en una expresión aun mas vanguardista, por la superación de dichos códigos de dominio simbólico a través de originales expresiones, que no se cimentan contra ese dominio, sino a pesar de dicho dominio.

9.- Esto porque toda construcción estética nueva, renovadora, revolucionaria, no puede depender ni centrarse en lo que no queremos, pues estas formas pueden cambiar , como pueden cambiar las formas de dominio ahora imperantes, y ello solo nos llevaría a un reduccionismo creativo, a un callejón sin salida. Sin embargo, si construimos a pesar de lo que hoy existe, estaremos frente a posibilidades tan bastas como la misma libertad, a la cual considero la materia fundamental de la capacidad creativa, al arte valiente, al arte revolucionario.

10.- Entonces, esto implica la reflexión de una concepción estética que le de sentido a nuestras habilidades y a nuestras búsquedas, y que sea un aporte nuestro a una sociedad y a un momento determinado, para que quede registro completo y complejo, de lo que somos, de lo que fuimos, y de lo que queremos llegar a ser como individuos colectivos y emocional-pensantes. Una revolución estética en este sentido implicaría de hecho, la inauguración de una fuerza social nueva y beligerante, con enorme capacidad de irradiación a toda la sociedad, que pueda llegar a influir de múltiples y complejas maneras, creando códigos nuevos, para una nueva sociedad.

¿En una estética de la libertad, qué debe ser descartado? ¿Qué debe ser preferido? Nada, porque una estética de la libertad no es una estética de la exclusión y por tanto, la noción de lo que se expresa no puede estar limitado por los medios,....la libertad carece de sentido si ésta no se realiza. Y ésta es una razón poderosa no sólo para enfrentar el complejo proceso comunicacional del arte en estas condiciones, sino para subordinar la importancia de su soporte material a dicho proceso central. En otras palabras, todo se subordina a lo que se desea expresar, aun con su poderosa carga subjetiva. ¿Por qué esto debe ser así? Porque la creación centrada en el soporte material es limitante, excluyente y marginadora. Así, el soporte no es que carezca de importancia, sino que deben lograrse las capacidades esenciales para que prime el “sentido” de la obra, estableciendo una relación coherente entre este “sentido” y dicho soporte material. ¿No es esto el verdadero reto de la creatividad? Por lo mismo, postulamos que las habilidades y el soporte material no deben ser obstáculo para la realización de la obra, ni pre-requisito para ésta. Se debe trabajar con aquello a lo que podamos acceder en una sociedad que en si es injusta, y que no nos dará nada, sin exigir algo a cambio.

- Credibilidad: Se postula que el arte es la representación de la vida, lo cual abre un amplio margen sobre un universo desconocido en que conviven códigos inhumanos y enajenantes, como el comercialismo y la vulgarización. Y si creemos que el arte ha de ser reflejo de la verdad, entonces seremos víctima de la misma soberbia con que el poder dominante nos construye el mundo para continuar siendo dominados. Debemos ser capaces de asombrarnos con el mundo, de aceptar las limitaciones y las complejidades del ser humano y el universo, de las contradicciones que, en esencia, tal vez seamos..., sin que ello limite nuestra perfectibilidad como individuos y seres sociales, por ello, ante todo, el valor estético primordial para un nuevo arte ha de ser la credibilidad, porque esta no excluye nuestras limitaciones, ninguna de ellas, pero da prueba de una forma de enfrentarlas, de una forma particular de enfrentarlas, vislumbrando los germenes de la superacion y el crecimiento; y esto hace que cada arte que se realice sea único, y su credibilidad, su valor.

- Imaginación: El valor último de la imaginación está en que es un reto constante, de hasta donde podemos llevarla adelante, hacia que territorios, con que resultados. Pero ese reto se diluye cuando la imaginación intenta abarcar territorios puros, centrada en si misma, como un puro vuelo Dadá que terminará, como ya quedo demostrado, en una especie de ridiculez comunicacional. Cuando la imaginación mas libre, mas sorprendente, mas original, se vuelve creíble, pasa de ser un mero divertimento, a ser un poder social. ¿ Cómo darle credibilidad al producto de nuestra más afiebrada imaginación?...solo a través de la expresión mas legitima de nuestra humanidad ¿ No es esta la verdadera creatividad? Si todo aquello que es creado, no es, de alguna manera, útil...¿Qué valor tiene entonces?

- Comunicación: Toda forma de arte, cuando es legitimo y es revolucionario, es, en si, un proceso comunicacional, y no un hecho comunicante, he ahí su complejidad y su valor fundamental, su vigencia, su indescartabilidad. Hacia allá entonces debemos tender, tanto en la creación pura de arte, como en las aproximaciones teóricas. Si toda forma de expresión no se transforma en proceso comunicacional, no podríamos llamarlo arte, y sin la humanidad, la valentía e imaginación necesaria, no seria creíble, y si no es creíble..¿ Cómo puede llegar a transformarse en fuerza social, sin que termine anquilosándose en algún museo, o en la caja fuerte de algún coleccionista patológico? Ese es el arte que nos interesa.

“Siempre estoy escribiendo

Ya sea con los ojos, con el cuerpo

Irremediablemente escribiendo”

Samuel Nuñez

(1953)

Fragmento del libro de poesía

“Poesía Chilena Contemporánea

Coquimbo-La Serena 1980-2000”

Jorge Collao Galleguillos

La Serena – Chile

2002-05-18

jorgecollao@latinmail.com

LA MALDAD Y LA POESIA.

2011-06-16T21:21:00.001-07:00

Jorge Alberto Collao (*).

En la saga de La Profecía, Sam Neill en su papel de Damián le comenta a su amigo “El mal, en su forma mas pura, es tan simple y poderoso como el bien”, pero como la mayoría de los escritores dados a la fantasía y el ingenio, poco sabia David Seltzer que las nociones del bien y el mal son un invento relativamente reciente (si pensamos, claro, que el Hombre lleva sobre la tierra algo así como un millón setecientos mil años). Aunque no podemos tener certeza acerca de la fecha, ya en el siglo VI A. de C. Zaratustra (que pudieron ser dos o mas), le dio forma a la dualidad bien/mal, y es difícil pensar hoy, en que estas nociones se encuentran tan entronizadas incluso en nuestra vida diaria, que antes de ese hecho, ambas no existían ni se usaban. Y no es menos cierto que tremendo hallazgo no podía dejarse pasar de lado por uno de los filósofos mas influyentes de la era moderna: El filósofo alemán Friedrich Nietzsche (uno de los tres Maestros de la sospecha), en una de sus obras fundamentales, La genealogía de la moral, examina los términos alemanes gut («bueno»), schlecht («malo») y böse («malvado») desde el punto de vista etimológico, llegando a la conclusión de que la distinción entre “el bien” y “el mal” es en origen meramente descriptiva, o sea, una referencia amoral a aquéllos que eran privilegiados (los amos), en contraste con los que eran inferiores (los esclavos). El contraste bueno/malvado surge precisamente cuando los esclavos se vengan convirtiendo los atributos de la supremacía en vicios. De ahí vendría en último término la llamativa coincidencia u homonimia entre el mal, como dolencia o enfermedad, y el mal en sentido moral, los cuales, en apariencia, nada tienen que ver entre sí. Un poco más cercano a nosotros quizá sea el caso del maestro Panero, arquetipo del malditismo, que pasó por la prisión y quizá por que clase de drogas, nos escribió alguna vez que “La Maldad nace de la Supresión hipócrita del Gozo”: “Una cucaracha recorre el jardín húmedo / de mi chambre y circula por entre las botellas / vacías: / la miro a los ojos y veo tus dos ojos / azules, madre mía./ Y cantas, cantas por las noches parecida a la locura, / velas/ con tu maldición para que no me caiga dormido,/ para que no me olvide / y esté despierto para siempre frente a tus / dos ojos / azules, madre mía.”, estremeciéndonos, desde el corazón y el alma de un hombre que ha estado entrando y saliendo de sanatorios mentales desde la década de los setentas. Y sin embargo, Manuel Altolaguirre, otro español malagueño de la Generación del 27, considerado el más espiritual e intimista, no tuvo miedo de ver el otro lado del amor, y escribió el poema “Maldad”; “El silencio eres tú./ Pleno como lo oscuro,/ incalculable/ como una gran llanura/ desierta, desolada,/ sin palmeras de música,/ sin flores, sin palabras./ Para mi oído atento/ eres noche profunda/ sin auroras posibles./ No oiré la luz del día,/ porque tu orgullo terco,/ rubio y alto, lo impide./ El silencio eres tú:/ cuerpo de piedra.”, pero es, para mi humilde gusto, Svetlana Makarovič, poeta nacida en eslovenia y quien pensaba que el pecado original de la humanidad no es sólo la falta o la incapacidad de amar, sino el don particular del hombre para la maldad, escribió algunos de los poemas mas estremecedores que he leído recientemente, donde la maldad se vuelve real a través de una carga de pasmosa hermosura, porque sabemos, que lo hermoso no es sino finalmente el argumento de la existencia: si algo es hermoso, entonces debe ser, de alguna manera, real. Y Makarovič ejecuta ese plan con estremecedora belleza. Son muchos los poemas que logra construir bajo ese discurso y que la convierten, probablemente, en un interesante hallazgo a pesar de haber nacido por allá por 1939. Leamos entonces, en traducción de Damjana Pintarič, el poema “La Caza”, que pudiera ser, quizás, una escaramuza de guerra, o de la simple vida cotidiana:

Hueles a semilla caliente, ciervo.
A ti huele todo el bosque, y yo.
El cuchillo ya está afilado para ti, ciervo.
Lo presiente el bosque, y lo sé yo.
Pasarás el claro de luna, ciervo,
mi ciervo con ojos de zarzamora.
Olerá profundamente a sangre, ciervo.
De pronto sabrás adónde vas y quién eres.

(*) Especial para la revista Escarnio.

ENTREVISTA A LA JOVEN CANTAUTORA NATALIA MOLINA.

2011-06-16T21:18:00.000-07:00

“La idea siempre fue dibujar con palabras, escribir con colores y a todo esto agregarle una melodía, así la vida se vuelve más verde y más llevadera. Porque las letras, los trazos y los acordes son ramitas del mismo árbol que el viento ladea hacia el mismo lado. No hay diferencia entre ellas y su fin es el mismo.”

Natalia Molina.

Natalia Molina es una Joven cantautora cuyo material puede hallarse fácilmente en youtube, o sus grabaciones en la pagina myspace, y a la cual vale la pena poner mucha atención porque su música presenta varias particularidades bastante interesantes. Una de ellas es que parece navegar en un precioso equilibrio entre la carga clásica y algunas preferencias mas vanguardistas, entre la interrelación de su lírica y su sonoridad, es decir, ni tan comercial como una Francisca Valenzuela, ni tan under como un Chinoy, y que sin embargo, no se le puede encuadrar fácilmente en un “estilo” definido ni rígido. Músico, instrumentista, compositora, cantante, además de poeta e ilustradora, alrededor del año 2000 participó en los talleres de poesía de Balmaceda 1215 impartidos por José Ángel Cuevas, Carmen Berenguer, Paz Molina y Mauricio Redolés. Mas tarde, en el año 2002 obtiene el 2 lugar del “IX Festival Víctor Jara de todas las Artes”. Un año después, una mención honrosa en el concurso de poesía 70 años de las JJ.CC., siendo editada en la compilación del mismo nombre. Este mismo año autoedita artesanalmente su primer poemario Veteranos del 79, que incluye ilustraciones de su autoría. Actualmente realiza presentaciones regularmente y difunde so obra a través de la red. Fue así que a través de la red la conocimos, y sorprendidos por su talento, nos atrevimos a contactarla y a que nos respondiera algunas preguntas para Revista Koyawe. Finalmente, agradecidos por su calidez y disposición, aquí está el resultado de esta entrevista, a la que adjuntamos la letra de su tema a la fecha, mas conocido, junto a algunos de sus trabajos en poesía, y por supuesto, también algo de su obra como ilustradora.

¿Quién es Natalia Molina? ¿Hay varias de ellas, o solo una, que compone, interpreta, escribe, dibuja? Cuéntanos un poco de cómo es esa convivencia.

Bueno, yo creo que todo lo que hago es una sola cosa expresada de diferentes maneras.

Me pasa que a veces uno se bloquea y el lenguaje te queda corto o un dibujo no te alcanza para expresar lo que quieres, entonces ahí esta la música como una herramienta más para desahogarte. En la medida de mis bloqueos, voy pasando de una cosa a otra, pero al final siempre veo a la música como mi lenguaje natural quizás porque fue mi primera pasión, y porque creo que conjuga todo lo demás.

A veces pienso que es como estar pintando un cuadro gigante con diferentes brochas o técnicas. En un extremo uno puede ser mas explicito o luminoso y en el otro más oscuro o críptico con el mensaje, pero al final el cuadro es uno solo.

Por ahí en una biografía tuya se mencionaba tu paso por los talleres de Balmaceda 1215 ¿Cómo recuerdas esa experiencia?

Balmaceda 1215 significó salir de mi encierro, dejar de estar mirando las paredes y soñando despierta. Antes de esos talleres yo no había compartido con nadie que creara cosas salvo con mis hermanos, que son músicos, entonces se me abrió un mundo.

Tenia 18 años y como mi vida escolar no había sido muy tradicional, porque me salí de la escuela, no tenia mayor contacto con nadie de mi edad, entonces encontrarme con gente afín fue como la salvación, me di cuenta que no estaba tan mal ni tan loca y que éramos muchos. En Balmaceda los talleres eran gratis y de todo tipo : poesía , grabado , fotografía, danza , teatro , música entonces había mucho donde elegir, pero yo me quedé en poesía solamente. Por años ,ni siquiera probé los talleres de guitarra . Yo creo que me quedé ahí por los amigos que encontré.

Balmaceda además esta ubicado en un lugar perfecto, en el Santiago viejo.

Teníamos el rió Mapocho al lado, a unas cuadras La Piojera, la estación Mapocho ahí mismo. Había mucho que ver , mucha gente e historia pasando por delante de nuestros ojos , bares, carritos de sopaipillas, prostíbulos, gente que iba y venia rápido ...era muy estimulante estar ahí, yo creo que eso nos motivaba también a escribir a la misma velocidad y a tomar a la ciudad como inspiración.

En una entrevista comentabas que a los 13 años habías compuesto tu primera canción a la que llamaste “Voy arruinando tu ciudad” lo que es una frase un tanto dura. Cuéntanos un poco de aquella canción y el contexto que recuerdas de aquellos años.

Bueno, tiene que ver con lo que te contaba recién, con la adolescencia, la soledad y la rabia contra el mundo porque cuesta tragarse el mundo tal cual es a esa edad, con toda su violencia. Uno con el tiempo se acomoda un poco, aunque en mi caso no del todo, jajaja...Pero cuesta pasar desde el mundo luminoso de la niñez al mundo real.

A veces el odio que uno apunta contra el sistema sin querer se vuelve contra uno mismo, es una línea muy fácil de cruzar cuando uno se siente impotente ante las injusticias y claro es una edad muy sensible, por eso el titulo de la canción…

Hablemos de “Alma”, a la cual le he puesto muchísima atención porque se está transformando en una especie de sello de Natalia Molina. Y lo primero que se me viene es que el alma –que es nuestro ser interior intangible- aparece en principio disociada de ti y a la vez, agredida; “alma, el aire tratará de abandonarnos, el tiempo tratará de avejentarnos ()” ¿A que se debe?

Alma, es una canción que habla de la compasión. A pesar de que la letra es muy simple puede ser interpretada de diferentes maneras.

Literalmente puede ser que suene a una especie de conversación entre tu yo físico y tu yo espiritual y quizás esa fue la idea en el momento en que la escribí, pero tampoco podría afirmarlo porque yo creo las canciones se terminan de armar una vez que otra persona las escucha y les da un sentido personal.

Alma también puede ser una canción de amor, cada uno es libre de darle el sentido que le plazca…

Sobre lo que me preguntas acerca de la disociación entre cuerpo y alma , a nivel literario era la única manera de hacer dialogar a estos dos conceptos y lo demás tiene que ver con la idea que tengo del cuerpo físico como un escudo que protege lo que realmente somos.

Después rematas las primeras estrofas, de alguna forma, reafirmando esa disociación pero a la vez, sumándole una carga femenina muy poderosa, de contención y acogida, incluso hasta maternal cuando dices y repites “por mientras te escudas en mi”, ¿es así?

Exacto, de contención y compasión...que no debería ser asociado solo con el mundo femenino porque seria triste pensar que sentimientos tan poderosos tengan que ver solo con nuestras hormonas, no? Seria una desilusión.

Luego, me parece que el estribillo es una reflexión que no pasa por la fe sino por la constatación de que la misma fuerza de los hechos están a nuestro favor, cuando dices “no creas que es tan fácil dejarse llevar”.¿Constituye en ti una certeza o tiene que ver mas bien con las ganas de creerlo?

Personalmente, y creo que para mucha gente, es difícil aceptar el destino, las pruebas o como quieras llamarle a las cosas que te van pasando.

Para nadie es fácil vivir lo que le tocó vivir y no patalear, de eso trata esa parte de la canción. Esa parte B de la canción es como el lado B de la letra también, la voz de la duda, del pesimismo y de la no certeza, ¿se entiende?

Es difícil para mi ir “desmenuzando” la canción porque nunca lo había hecho, pero es entretenido como ejercicio igual…

Finalmente, vuelves –según mi punto de vista- a fortalecer con la experiencia vital, mas allá de los discursos, los argumentos que han de enriquecer la propia vida (“rodar por los caminos no es eterno / errar es mal de vivos, no de muertos”), para lograr la comunión final de todo tu ser, reconciliada no solo interiormente, sino también con la propia realidad en la que te toca vivir e intervenir, cuando expresas “por mientras te fundes en mi”

Si, yo también la veo así. Esa última estrofa es la que mas me gusta de todas porque carga en si un sentimiento de aceptación final de lo que uno es: un pobrecito mortal, como dice una canción...

Todos nos equivocamos, todos a veces pedaleamos hacia atrás en vez de avanzar pero fracasar es parte de estar vivo también, a eso mas o menos apunta esa estrofa.

En su conjunto, “Alma” es en cierto sentido una reflexión resignada, lo que no quiere decir que sea derrotista. Pero da la sensación –su letra, su musicalidad- nos retrotrae a un devenir bastante circular alejado de rabias o furibundos descontentos ¿Ves así el mundo hoy, o es mas bien la sensación particular recogida ahí, en esa canción particularmente?

Si bien Alma es una canción que musicalmente es muy placida y fácil de oír creo que también contiene angustia y rabia, la angustia de la no certeza de las cosas que hablo, la no certeza en materia de fe también. Es bien subjetivo esto y hasta confuso para mi porque si me preguntas hoy yo te contesto esto y quizás mañana te diría otra cosa, no lo tengo claro.

Sobre como veo el mundo de hoy, la primera palabra que se me viene a la mente es injusticia, realmente me indigna ver tanta pobreza, tanta carencia por un lado y sobre abundancia por el otro. No puede ser que todavía la brecha entre pobres y ricos sea abismal e incluso mayor que hace décadas. Me da rabia que la gente tenga que humillarse ante otros por no tener dinero, que tenga que mendigar por un trabajo, cuando es un derecho, o que siga muriendo gente en los hospitales por no tener plata para una atención decente y humana.

Hablo de mi país, como mi mundo mas inmediato pero realmente duele mas darse cuenta que esto es una realidad en la mayoría del planeta.

A veces uno dice: ¡pero que puedo hacer yo que no tengo el poder para cambiar las cosas! ,uno se siente pequeño como ciudadano común, impotente, pero lo primero que hay que hacer es denunciar lo que encontramos injusto, poner el tema sobre la mesa en nuestro entorno aunque sea reducido, manifestarse es lo primero y es algo que cualquiera de nosotros puede hacer. Al sistema le conviene tener a la gente callada y adormecida porque tienen mucho que perder.

Bueno, dejemos “Alma” y conversemos un poco del medio actual de los jóvenes músicos hoy ¿Cómo lo ves tú?

Yo veo a mucha gente haciendo música libremente sin intermediarios (sellos, productores etc.) expresando lo que quieren decir. Hoy es mucho mas barato grabar tu música y difundirla que hace 10 años cuando costaba mucha plata grabar profesionalmente y si grababas, llegabas hasta ahí porque no podías difundirlo salvo si tenias un pituto o contacto en una radio.

A fines de los 90 la música chilena era un círculo súper chico y cerrado, consumíamos solo lo que a la industria se le ocurría que era bueno, no había una vía alternativa donde transitar como músico.

Ahora con Internet, con myspace, tu puedes escuchar a casi todos los músicos que están tratando de difundir su trabajo. No vemos solo la punta del iceberg como en la década pasada. Lo bueno es que ningún músico de calidad se va a perder porque a un tipo se le ocurrió que era malo o no tenia “proyección”.

¿Crees que se puede hablar de “movimiento” respecto de esta serie de músicos jóvenes y no tanto que, lejos de los medios masivos, se han hecho un lugar en la cotidianidad cultural del chile de hoy?

De que la música se esta moviendo y hay mucha gente haciendo cosas buenas, entonces si. Pero eso de etiquetarlos y echarlos a todos a un saco no me gusta mucho, creo que es una forma fácil y ligera de explicar algo en vez de darse el tiempo de ponerle atención a cada uno, y analizar sus trabajos individualmente.

Otra cosa interesante que –no se si coincidimos en esta reflexión- pero parece ser también un fenómeno mundial el aprecio por los sonidos mas puros, a partir quizás de las sorpresas derivadas de los “Unplugged” de MTV en que se revaloriza una sonoridad mas que un “sonido” particular en la manera de hacer música, y que aunado a la ampliación del fenómeno indie respecto de los medios digitales e Internet, tanto para registrar como para difundir, han abierto la brecha a una serie de autores (cuyas formas o “escuelas” no son necesariamente nuevas), pero que han logrado imponerse finalmente, como, que se yo, aumentando el interés por músicos como Cohen, Demian Rice, o los Herman Dunne, o mas cercanos como Johansen, Sabina, Drexler, Serrano, o menos conocidos como Filio o David Aguilar, no se, o en Chile, con Chinoy, Gepe, Barría, García, Núñez, etc. ¿Qué te parece a ti?

No se si es a nivel mundial pero acá claro que está pasando, no podría decirte a que se debe porque no lo se, yo creo en la sincronía… a lo mejor eso lo explica.

Para Ustedes, la Letra de “Alma”, de Natalia Molina.

Alma,
el aire tratará de abandonarnos,
el tiempo tratará de avejentarnos,
por mientras te escudas en mí.

Alma,
los tontos ya trataron de ignorarnos,
los otros tratarán de aniquilarnos,
por mientras te escudas en mí.

No creas que es tan fácil
dejarse llevar,
El día es el que empieza,
cuando quieres,
sólo quieres terminar.

Alma,
el aire tratará de abandonarnos,
el tiempo tratará de avejentarnos,
por mientras te escudas en mí.

No creas que es tan fácil
dejarse llevar,
El día es el que empieza,
cuando quieres,
sólo quieres terminar.

Alma,
rodar por los caminos no es eterno,
errar es mal de vivos, no de muertos,
por mientras te fundes en mí,
por mientras te fundes en mí,
por mientras te fundes en mí,

Natalia Molina, Poemas:

Eres la que primero amanece cuando la noche se descuida
y el violador le abre las piernas.
Fotografiaron tu cara,
tu palidez extraña de negra,
el tono gris lápida en tu frente
y el grosor de tus tobillos de niña porteña.

Lady Lay, la primera estrofa de un Dylan accidentado te llama
Lady Lay, entregaste dientes blancos y tiernas venas a una flor
Lady Lay, torniquetes en forma de rosas
amarran tu pelo.

T? que viste destellos en las ?últimas filas,
la gracia del sudor en los cuellos de los muchachos
cuando tus mejillas eran todavía frutas rojas
y tu credencial te dejaba abrir la boca
en limpios salones de blancos.

Lady Lay, la gratitud vino siempre de la mano de un extraño
Lady Lay, ?acaso los aplausos no son golpes?
Lady Lay, cuando aflojaste el músculo adolorido
dejaste caer tu sonrisa.

Bar Serena.

Nace otra relación extraña en este bar
Un hombre viejo y mal vestido le cuenta historias a un muchacho impecable.
El viejo imita las voces y gestos de amigos probablemente inventados
y espera la risa fácil de su amigo de barra.
El joven acomoda su incomodidad sobre el piso remachado
y apoya su mocasín en el posapi?
sabiendo que hace rato perdí el hilo de la historia

Todo esto en presencia de un par de robustas jarras que
parecen cuidarle la espalda al cantinero
que de vez en cuando se arregla el bigote con un poco de Campari.

Finalmente el hombre se despide del muchacho
sabiendo que lo espera un colchón
y si tiene suerte
una cadera suave y redonda como una garrafa
Seguro soñara con cartas de dominó que se arrastran en círculos interminables
y con el banderín de Palestino del bar Serena donde
Sor Teresa es patrona y señora de los ?Ángeles que se resisten a caer.

INDUSTRIA CULTURAL U ORTOPEDIA ESTATAL.

2011-06-16T21:10:00.001-07:00

(Del lat. industrĭa).

Maña y destreza o artificio para hacer algo.

RAE.

Jorge Alberto Collao

30/01/2011

Todavía me resuena el eterno lloriqueo de la cada vez más abundante manada de desfavorecidos por la dádiva Estatal, aduciendo la imperiosidad del desarrollo cultural para el alma de un país basados en el argumento de que se trata de recursos de todos los chilenos. Bien. Bien por ellos. Y más bien por los favorecidos por la varita mágica de alguna repartición pública que les asignó algunas divisas por mérito, compadrazgo, pago de favores, o que se yo. Poco importa. Lo importante aquí es que estamos en un mundo que muy a nuestro pesar nos impone reglas absurdas que sin embargo pesan tanto, que modifican conductas, cosmovisiones –revuélvase Gramsci en su tumba- y que sin embargo debemos enfrentar de alguna forma.

Y los tratadistas amateur de la cultura nos quieren hacer creer finalmente que quienes tienen el poder, tienen alguna clase de deber que cumplir a este respecto: nada más alejado de la realidad. Por otro lado y bajo esta misma lógica, podría pensarse que la constitución de una especie de masa crítica o grupo de presión, podría eventualmente derivar en una serie de medidas que sacaran al mundo de la cultura del pretendido desamparo en el cual se encuentra.

La simple verdad es que estas discusiones y muchas otras debieran tenernos sin cuidado. Porque de lo que se trata aquí es de poner el viento universal a nuestro favor para caminar con nuestras propias piernas, y no esperar bastones de ningún lado, por muy de caoba o ébano que sean. ¿Y cómo se camina entonces con autonomía? Sin ser experto, y al menos con un par de dedos de frente, entiendo la necesidad de crear una INDUSTRIA DE LA CULTURA que no puede crearse desde arriba, sino que esta debe hacer su aprendizaje de ensayo y error a partir de lo que tenemos, por muy precario que esto sea.

“La industria es el conjunto de procesos y actividades que tienen como finalidad transformar las materias primas en productos elaborados, de forma masiva”.

En este caso, lo que parece simple, finalmente lo es. Las reglas que median en el proceso de poner un producto a disposición del público suelen ser las mismas siempre, y el conocimiento y manejo del mercado, los sutiles cambios y adecuaciones, son por lo tanto parte de la dinámica del mismo mercado. Ello quiere decir que tales procesos no se producen por una coordinación intencionada de los actores involucrados, sino por el provecho concreto y material que de tales procesos se obtiene en tanto producto al fin. En la medida que partes o secciones de la cadena no se resuelvan entre el autor y el público, tal industria no puede existir ni menos, desarrollarse. Entonces resulta ser que el interés de los autores por poner altruistamente sus obras a disposición del público, aún a costa de la gratuidad o la pérdida económica, solo hace parte del problema y lo profundiza. De lo que se trata es de resolver la cadena completa del proceso en que se encuentra involucrada alguna clase de materialidad constituida en producto o servicio, de tal manera que los involucrados resuelvan por si mismos las problemáticas reales obteniendo con ello un beneficio gravitante respecto del esfuerzo involucrado. Solo cuando esta dinámica se genera y crea la cultura de beneficio necesaria, se puede hablar incipientemente de industria, de un círculo virtuoso, de una comercialidad que permite que las materialidades del proceso –a lo menos- puedan ser resueltas satisfactoriamente para los involucrados en este.

Inútil es tratar de mediatizar un enfoque desde la perversión ideolología –ideologista mas bien- sobre una realidad social instalada, sino que queda operar sobre ella y a través de sus reglas, un dialogo en el sentido más democrático del término, entre los autores, sus obras, y el público.

No avanzar por ese camino, no verlo, negarse a el, constituye el abrazo a la desculturizaciòn de un territorio dado, la socavación geocultural de una identidad en formación y el abrazo a la eterna subsidiariedad interesada de los mecenas de turno que no hacen sino eternizarse a través de sus compromisos con la cultura. No es entonces contracultura la negación de la apropiación de procesos instalados en cuanto dinámica social de convivencia y dialogo a través de productos culturales, sino suicidio creativo, individualismo mendicante, clasismo cultural.

Las posturas militantes no son el problema pues todas tienen cabida, sino la falta de contexto sobre el cual operar en materia creativa: una creatividad amateur reflejada sobre si misma que no dialoga, la enquistaciòn de guetos autistas, la creación cultural acotada al contexto de tribu urbana, con códigos cosificados y cada vez mas tumefactos, la vanagloria del papel bond y los mil ejemplares, las mesas redondas unidireccionales, las cofradías, el racionamiento y el milagro, no son sino materia para la instalacion de un espejismo conciliador y eterno que solo sirve para impedir finalmente, que podamos ver el verdadero color de la vida, colectiva y azaroza, por sobre las versiones de bien intencionadas vacas sagradas que se dejan querer en el acaparamiento y el solaz de la comodidad institucionalizante.

LAS REVISTAS INNECESARIAS.

2011-06-16T21:09:00.000-07:00

Pareciera ser que muchas veces, lo más fácil resulta ser lo mejor, pero como bien lo sabe la dolorosa historia de la humanidad, esto suele ser un contrasentido. Generar una revista debiese ser como las gotas de agua que salpican del golpe del mar sobre la roca, pero lo que tenemos son revistas que no tienen mar, donde no hay rocas, y menos los golpes furiosos de la fuerza de la cultura. Como siempre, ponemos la carreta delante de los caballos.

Las revistas entonces, sin que exista en el medio una estructuralidad cultural resultan en una especie de frankenstein mezcla de copypaste, esquirlas escriturales, revoltijos temáticos, desconcierto inercial, señuelos literarios, y máscara cultural.

Una revista debiese por lo tanto ser voz y expresión de un fenómeno cultural definido, y mientras más definido tal fenómeno, de mayor importancia la revista, de tal modo que una revista no puede ser registro de una carencia, pues ello jibariza la calidad crítica del medio, sume al público en la desidia, y a los artistas en la inanición creativa.

Que un grupo de personas bienintencionadas sean capaces de generar y mantener un medio de difusión de la escrituralidad de sus pares es una iniciativa quijotesca y loable, pero redunda en un lento, eterno, y adormecido suicidio creativo. Solo en el caso escritural, la necesidad de crear una obra a lo menos básicamente sólida, permite adelantar juicios más o menos coherentes sobre ella, y abrir un campo de crítica que permita finalmente un dialogo virtuoso entre los creadores y para lo cual, las revistas pueden cimentar los códigos necesarios para posibilitar la germinación de ese diálogo a escalas más elevadas, en términos de industria, y en términos de calidad.

Entonces podríamos decir, que antes que la revista es el libro. Y esto no en un afán absolutista o una regla inquebrantable, sino expuesto en un sentido en que las significancias se encuentran bien asignadas a la hora de evaluar el aporte a cualquier pretendido movimiento cultural, contracultural, under, o que se yo.

Y nos encontramos entonces con tareas mayores y retos mayores que la creatividad de los creadores –válgase mil veces la redundancia- no han sabido resolver. Podríamos decir finalmente que el mundo subjetivista del creador se riñe con el banal mundo objetivo de las simples matemáticas, estrellándose con la necesidad adictiva de la dádiva. Y escudados en pretendidos arrestos de genialidad, terminan disfrazando su inoperancia, incapacidad, indisciplina y desidia, en una especie de ostracismo olímpico de artista incomprendido: mediocres conductas lastimeras.

Se requiere entonces una nueva clase de actores que viabilicen la interacción entre creadores y público, en una sociedad cada vez mas estructurada y japonizándose poco a poco, en un uso del tiempo con opciones de fuga ante una globalización que rima cada vez más con idiotización.

Jorge Alberto Collao, Miércoles 9 de Febrero de 2011.

LITERATURA EROTICA.

2011-06-16T21:08:00.000-07:00

“La literatura erótica latinoamericana ha sido, en general, un pseudo producto literario”

Fernando Alegría.

Por Jorge Alberto Collao

31 de Enero de 2011

Sublimes toques de la suavidad de la pluma, donde el oculto monte de venus escarcea su duerme vela acaso paseándose descalzo en el Quijote o el Ulises, donde la memoria Egipcia se rescata desenfadada como un s.o.s en el papiro de Turìn o el de Leide. Donde los dioses incontaminados por el virus judeo-cristiano fecundan el juego de la carne sin aspavientos: Artyanassa, Filenis de Samos y los de Elefantis. Aristófanes y su Lisístrata. Los poemas de Sotades, de Luciano y Los diálogos de las cortesanas. Insuflando un aire que llenó los pulmones de con el oxìgeno de Príapo, respirados por Marcial, Juvenal, Plauto, Catulo y Horacio, de Ovidio, El Satiricón, de Petronio y El asno de oro, de Apuleyo. Y los ecos antiguos del Kámasutra ingenioso al lado del libro rojo en los veladores de los jóvenes hippies. Las mil y una noches, El jardín perfumado, el Ananga Ranga, Hustler o Playboy, o mas acà Cosquillas, o Viejo Verde. Aunque nadie supiera de Lancelot de Chrétien de Troyes, de Tristán e Isolda de Gottfried von Strassburg, el Roman de la Rose de Guillaume de Lorris y Jean de Meun y Vita nuova y la Divina Comedia de Dante Alighieri. Si habían ecos de Giovanni Boccaccio y el Decamerón, avivado por un cine xxx ajeno y mala clase, porque antes de Pasolini las breves historias de Facetiae o Facecias de Gian Francesco Poggio Bracciolini, Girolamo Morloni y sus retratos en Novellae, o Pietro Armino cautivando en Razonamiento, o Antonio Beccadelli, y su estremecedora, Hermaphroditus cerrando el círculo románico. Los poemas eróticos de Eustache Deschamps, el libro De amore de Andreas Capellanus y los Cuentos de Canterbury de Geoffrey Chaucer. Y Antoine de la Sale, al cual pertenecen las obras Le Petit Jehan de Saintré y Les Quinze Joyes de mariage . Los dibujitos de Pietro Aretino y Marcantonio Raimondi en I Modi de 1524 perseguido por Clemente VII, que no pudo sin embargo contra Lorenzo Veniero, autor de La puttana errante, y a Nicollo Franco, autor de La priapea. Y no digamos que el bofetazo al rancio franquismo con el destape español era cosa nueva: Cantigas de escarnio y mal decir, en gallego portugués y el Libro de buen amor del Arcipreste de Hita, La Celestina, La lozana andaluza de Francisco Delicado. En el siglo XVII comenzó según se sabe, el delicioso contrabando de literatura erótica desde Ámsterdam a los demás países europeos. Entre estos se cuentan L'Ecole des Filles, una obra francesa impresa en 1655 que está considerada entre los comienzos de la pornografía de Francia. ¿Y quién no leyó o supo de Fanny Hill?, al que Cleland le había puesto el aparatoso y rimbombante nombre de Memoirs of a Woman of Pleasure . Y los marqueses ya se la traían a partir de Teresa, filósofa, atribuida al Marqués d'Argens, hasta que Sade le ganó el quienvive arriesgándose con Los 120 días de Sodoma, y Justine, sin que sea necesario abundar mas en este ilustre personaje. Si hablamos de salvaje literatura erótica Leopold von Sacher-Masoch abrió los fuegos con su obra La venus de las pieles (1870). Autores que siguieron su estela son Richard Brohmek y Fedor Essée, siempre con la mujer vista desde un punto de dista dominante y cruel, con la figura del hombre dominado y sumiso. A finales de siglo, surge el nombre del dramaturgo Arthur Schnitzler, su obra más polémica fue La ronda, un ciclo de diez piezas dramáticas de un solo acto, cada una formada por una pareja de amantes, de tal forma que uno de los integrantes de la pareja repite en dos escenas consecutivas, en una especie de danza de emparejamientos sexuales. Otra novela erótica de gran importancia en Alemania fue Josephine Mutzenbacher, considerada como un clásico pornográfico, atribuyéndoselo a Félix Salten. La historia es narrada bajo el punto de vista de una prostituta vienesa de 50 años, que rememora sus escapadas sexuales entre las edades de 5 y 12 años, lo divertido es Salten es el autor del clásico infantil Bambi. Y a modo de referencias a la franca literatura:

· El inglés D.H. Lawrence es el autor de uno de los libros más polémicos de la primera mitad del siglo XX, El amante de Lady Chatterley (1928),

· Otro autor controvertido de inicios de siglo es Henry Miller, con sus obras Trópico de Cáncer (1934) y Trópico de Capricornio (1938),

· Emmanuelle Arsan, autor de Emmanuelle.

· Dominique Aury, autora de Historia de O.

· Georges Bataille, con el libro titulado La historia del ojo (1928).

· Anaïs Nin fue una de las primeras representantes de la literatura erótica femenina.

· Vladimir Nabokov es principalmente conocido por ser el autor de Lolita (1955), que mas allà de los filmes, mas se me viene a la mente Alizee y sus performances.

· Guillaume Apollinaire, Louis Aragon, Jean Genet, Pierre Louÿs, Joyce Mansour, Mario Vargas Llosa, con Travesuras de la niña mala, o J. G. Ballard, autor de Crash (1973), una novela en la que se aborda la relación entre el deseo sexual y los coches.

· Una de las obras clave de la literatura erótica de la segunda mitad del siglo XX es, sin duda, Historia de O. Publicada bajo el pseudónimo de Pauline Réage.

· A finales del siglo XX y principios del XXI, los libros eróticos narrados a modo de autobiografía femenina cobran cierta fama. Las edades de Lulú, de Almudena Grandes, la controvertida Cien Cepilladas antes de Dormir, de Melissa Panarello, que trata la sexualidad extrema durante la adolescencia, o Diario de una ninfómana (2003), de Valérie Tasso, son algunos ejemplos de ello.

· Nueve semanas y media (1978), de Elizabeth Mcneill.

· Los amores Prohibidos (1980), d Leopold Azancot.

· El amante (1984), de Marguerite Duras.

· La pasión Turca (1993), de Antonio Gala.

Y quizá para reivindicar la frasecita inicial de Don Fernando Alegría, el opinaba además que “De pronto uno se encuentra hoy con obras de profundo sentido estético que no se olvidan fácilmente. No olvido por ejemplo un cuento que me produjo una impresión profunda y en el mejor sentido de la palabra, una impresión erótica. Escrito y publicado hace muchos años, es de un autor que en Chile no se asocia con este tema. Me refiero a Augusto D’Halmar y su cuento titulado En provincia”.

O este “OSCURIDAD HERMOSA”, de Gonzalo Rojas:

Anoche te he tocado y te he sentido / sin que mi mano huyera más allá de mi mano, / sin que mi cuerpo huyera, ni mi oído: / de un modo casi humano / te he sentido. / Palpitante, / no sé si como sangre o como nube / errante, / por mi casa, en puntillas, oscuridad que sube, / oscuridad que baja, corriste, centelleante. / Corriste por mi casa de madera / sus ventanas abriste / y te sentí latir la noche entera, / hija de los abismos, silenciosa, / guerrera, tan terrible, tan hermosa / que todo cuanto existe, / para mí, sin tu llama, no existiera.

Collao: El Orígen.

2009-10-04T01:49:00.000-07:00

El término Collao deriva del aimara antiguo Qullaw, formado por los morfemas qulla + -wi, es decir, 'lugar de los collas'. este nombre está registrado en las crónicas más antiguas de la conquista en referencia a la región al sureste del Cuz ...co donde habitaban contemporáneamente a los Incas diversos reinos aimaras, entre ellos los collas.

La aparición de una nueva etnia, los Collas, síntesis de Diaguitas y Omaguacas, los Atacamas y los grupos de origen Quechua y Aimará procedente de Bolivia, cuantitativamente más numerosos y en fin, parte de la masa mestiza no integrada en los centros urbanos.Los Collas son la etnia heredera de los habitantes originarios del Noroeste, consolidados durante todo el siglo XIX. Perdieron su organización comunitaria original y su núcleo, la familia extensa; tecnología sustantivas como la cerámica fueron expulsadas de la memoria colectiva; Su religión fue penetrada por el catolicismo ganancioso; ya no visten como antes, salvo en poncho y ojotas y tampoco cazan.Sin embargo, los collas son los auténticos portadores de la tradicional forma de vida andina, a través del mantenimiento de muchos patrones culturales como la economía pastoril de altura, y agrícola de papa y maíz; La recolección de algarroba y sal; la construcción de viviendas; la medicina tradicional y las técnicas de adivinación; los instrumentos musicales erques, quenas, pinkullo, sikus y cajas; el culto a la madre tierra e innumerables creencias, rituales y practicas sociales; la religiosidad ancestral, en fin, que lejos de ser dominada por la nueva religión oficial, ha coexistido con ella, en una nueva forma que ha sido redefinida como religiosidad popular.

El Dialogo en clave de Kafka.

2009-10-01T22:16:00.000-07:00

Pues es bastante extraño. Varias reflexiones me vienen a la mente pero pareciera que carecen de importancia, pues si a partir de ellas tratamos de avanzar aportando algunas ideas, lo principal parece ser la falta de dialogo. Si bien es cierto, la facilidad de medios es abrumadora comparado con lo que existia hace 20 o 30 años, esta facilidad hace que ideas distintas no se enfrenten en un proceso virtuoso, sino todo lo contrario. Como cada cual puede y es capaz de construir su espacio, entonces no debate, y las ideas en vez de enfrentarse, simplemente evaden esa posibilidad y se construye un nicho propio, donde, finalmente, los árboles no dejan ver el bosque. El dialogo entonces no existe, y es una herramienta que comienza, poco a poco, a carecer de sentido. Cuando se trata de logros u objetivos, en todo orden de cosas, entonces las herramientas son la competencia. El que gana la competencia impone. Y esto sucede tanto en el mundo laboral (empresas-ejecutivos-supervisores-CEOs-etc), hasta en la política. En esta última, con elecciones ad portas, las ideas nuevas se mueren -o las matan- en el mismo vientre. Los plazos para exponer las ideas para quienes van a dirigir los destinos de un pais por cuatro o seis años quedan reducidos a unos cuantos meses de campaña en que se invierten concentradamente la mayor cantidad de recursos para poner en la memoria reciente o a corto plazo no mensajes ni contenidos, sino simplemente imagen. ¿Y porqué votamos?¿Qué es lo que votamos? Vaya a saber uno, yo, personalmente, no lo se. Y nuestro arte también está mudo -hace poco asistí a un pequeño encuentro que se realiza con mucho esfuerzo y con que me encontré? Me encontré con un ritual. Con una especie de misa en que todos reunidos, comulgamos con un dios cultura que existe en nuestra intimidad a nuestra medida, impertérrito, incólume, como una estatua de museo, al que no le corre sangre por las venas y por lo tanto, está divorciado del gesto, de la actitud, de la creación, del arte. En una sociedad como esta, en un mundo como este, lo mas sensato parece el autoexilio y que cada cual se las arregle como pueda y aún es la punta del iceberg. No somos los Gregorio Samsa sino su familia, su sociedad. Eso es aterrador.

LA RELIGION DEL FUTURO.

2009-01-23T17:02:00.000-08:00

"Toda cosa sobre la tierra, tanto da vida, como la quita"

"Vida y muerte van entonces, unidas, a que temer a una sin tener goce de la otra?"

"Bondad y maldad, son el sonido en los oidos del que quiere, o se niega a oir: el mensaje es lo que importa"

"Cuando hablamos de muerte decimos tambien, miedo. Temer es entonces, morir. No ser mas, es la única manera de haber sido alguna vez"

"No hay autoridad mas alta sino la de Dios, y por boca de Dios. Nadie puede hablar por Él, ni explicar a los hombres sus designios: el hombre creyente sabe oir la voz de Dios en su corazón."

"Puede un hombre creyente engañarte, y puede engañarse incluso a si mismo, pero no puede engañar a Dios".

"Hablar con Dios es hablar contigo mismo: no pongas mas testigo en esto que a ti mismo, y estarás seguro de que la voz que oyes, viene inspirada por El, aunque no sea facil entenderla en primera lectura".

"Una simple roca posada sobre la arena, enseña mas que todos los libros de todas las bibliotecas"

"Una sola respuesta puede responder todas las preguntas: e aqui una maravilla de Dios".

"Trata siempre de hacer de lo inevitable, tu mejor legado"

"Llegara un dia en que la raza humana debera estar lista, deberá prepararse, para desaparecer"

"Todo lenguaje, no es mas que la voz de la decadencia"

"Descifrar un mensaje, una enseñanza, no tiene tanto mérito, como hallar un tesóro, donde nunca lo hubo: ese es el verdadero poder de Dios".

LECTURA EN EL ANFITEATRO EL CORTIJANO.

2008-09-20T14:30:00.000-07:00

Santiago no es una ciudad fácil para mi. La invitacion de Oscar Saavedra y la gente de "Descentralización Poética" para realizar una lectura colectiva no fue fácil de aceptar, tanto por las distancias, como por la premura del tiempo, y porsupuesto, la malditez del transantiago. Fuese como fuere, emprendí el reto desde Pudahuel hasta Conchalí, en territorios completamente desconocidos, desgraciadamente llegué atrasado (lo cual jamás es mi costumbre) pero la cosa aún no empezaba. Finalmente, casi sin presentaciones, rodeados de una deliciosa informalidad, pude escuchar la voz de Elvira Hernandez, José Angel Cuevas, Eli Neira, Oscar Saavedra, Mauricio Huenún, Jordi Lloret, y algunos otros chicos que ahora no recuerdo, y después fue mi turno: saludé y leí algunos textos de Benito Cortés y Samuel Núñez, y después cerré con algunos textos mios. No alcancé -desgraciadamente- a disfrutar del video que cerraba la presentación y emprendimos el regreso, con mi compañera y mi hijo hasta Pudahuel, resufriendo el transantiago. Entré y salí de aquella presentación, casi como un rayo. No hubieron conversaciones ni charlas dilatadas por el ocre sabor del vino, sino velocidad concreta, extendida en el diálogo digital de estas nuevas modernidades. Pero me quedé, finalmente, con el dulce sabor de la amistad que sobrepasa las palabras y hasta los significados, en un extraño dialogo de silencios y distancias, que solo saben hablar los que aman la poesía.

COMO CANTO DE BALLENAS.

2008-09-05T03:25:00.000-07:00

No seria extraño
Que el cielo se nos cayera a pedazos
Mientras fumamos
A la orden del día está
El silencio
De los inocentes
Como el arco sobre las cuerdas
Del violín
La navaja
Sobre la garganta.
Y caí
Por haber admirado el desafío
Había que jugársela
Qué era el premio
Si no saber porqué
Tanta tristeza.
Nosotros, enumerados,
Del uno hasta la muerte
Unos decorados a balazos
Otros con jeringas porfiadas
Tratando la vida
O distrayéndola
Qué fracaso, qué risotada.
Una chica de mangas exageradamente largas
Desnuda
De la cintura para abajo
Rodeándonos un mar tan frío
Como tu último y artero beso
¿No te admiran mis manos...
Claveteadas?
Y ahí estaba yo, como el capitán de un barco
Desvencijado, bamboleándome
Al ritmo del sexo, extasiado
Viéndome rodeado de acorazados furiosos
Acerados, metálicos, brillantes:
Pero la madera flota.
¿Qué guerrero monta el ave
Con piel de mujer?
El aire canta bajo sus alas.
El oleaje embravecido casi
Salpica la ira que relumbra
En su armadura. Los cielos le sostienen
Por milagro. En algún otro lugar
Quien aún no nace, recita
Estas memorias.
Oyash niskah
Eliem bikur aharied
No' tah
Ukhim bieral noskah.
(El que viene no estará
sino en la memoria de la muerte).
Como un eco
De canto de ballenas
Los misterios insondables
Nos guiñan el átomo
Que alguna vez, antes del tiempo
Anidó
En el aliento frágil y efímero
De nuestros corazones.
Y al final nos queda
Una dolorosa sensación de eternidad:
Un anciano hecho de silencio
Alimentando palomas
En el parque del olvido.
Que pequeño segundo más glorioso.

Santiago: Sabado 13 de Septiembre.

2008-09-05T00:38:00.000-07:00

2008-08-08T19:05:00.000-07:00

Y aquí estamos, departiendo una jornada de arduo trabajo. Salú.

2008-08-08T19:01:00.000-07:00

Aqui estamos, hace un montón de años (70 mas o menos, vean los murales allá atrás) mis hermanos, Benito, Viviana, y yo. Falta la mas pequeña, nuestra regalona, Ximenita.

Mi personaje Histórico Favorito: Judas.

2008-08-08T18:37:00.000-07:00

Es interesante. Judas, el despreciable Judas, es el único que a mi parecer, merece cierto respeto en toda esa historia de pecado y tortura: Judas amaba tanto a su pueblo, a todo hombre, mujer y niño que sufria, que en la misma medida que amaba con su amor humano a los que sufren, odiaba con la misma fuerza a aquellos que los hacian sufrir ¿Y era esa enorme humanidad la que deberia hacerlo menos que el hijo de Dios?. Amaba tanto a su pueblo, que llegó a Jesús a través de ese amor. Pues Jesús traia promesas de salvación, de libertad, de justicia. Y a el se unió Judas pero al poco andar, no vió mas que lo de siempre; promesas, bellas palabras, y nada de acción. Pero aún así, por amor a su pueblo, desidió darle a Jesús una última oportunidad; si Jesús era realmente el hijo de Dios, si realmente hiba a cumplir sus promesas de salvación, de justicia, de libertad, entonces era él quie uniría al pueblo para sacudirse el yugo esclavizador del imperio romano, y su palabra tendria la fuerza suficiente para convencer de esto al Sanedrín ¿Cómo, si podia levantar a los muertos y multiplicar los panes, no podia convencer a un grupo de sacerdotes estudiosos de esas mismas palabras? Pero habia que llevarlo allí. Jesús nunca quiso asistir...Judas hizo que aquello se cumpliera, no por esas monedas que nunca pidió ni deseó, sino porque la luz de jesús, hijo de Dios, iluminaria el destino de su pueblo desde el Sanedrín. Y ello no ocurrió...doble decepción para Judas...Jesús no pudo lograrlo, su palabra ni su divinidad pudieron convencer al Sanedrín...prueba mas que suficiente de que en realidad no era el Mesías. Pero Judas, mas allá de que Jesus fuese o no hijo de Dios, le amó como un hombre ama a otro hombre, como un amigo entrañable que, creyendolo hijo de Dios, lo habia entregado a un martirio y muerte segura. A todo esto ha de sumarsele, el que no siendo ya hijo de Dios ¿Que podia hacer ese hombre, Jesús, por la libertad del pueblo al que Judas tanto amaba?...Nada. No le quedó entonces mas alternativa que su propia muerte. Judas creyó, mas que ningún otro, mas que Pedro incluso -que lo negó tres veces- en la divinidad de Jesus, y su decepción fue abrumadora.
El es, en su inmenso amor de igual a igual, de hombre dolido por la desventura del hombre, que era capaz de mirar al frente, no hacia arriba como un esclavo, no hacia abajo como una amo, el que pagó las mas duras consecuencias. Después de todo, si Jesús era hijo de Dios, entonces no ha muerto y sigue vivo a la diestra de su padre. Si no lo era, entonces enterró las esperanzas de todo un pueblo por liberarse de la esclavitud y al menos, quedó en la historia como uno de sus personajes mas impactantes. Judas, sin embargo, es el hombre común enfrentado a la tragedia de la historia, aquel que sin mas fe que en si mismo, intenta cambiar el mundo, cegado por la propia esperanza de una vida mejor para aquellos a quienes siempre amó, su pueblo.

Samuel Núñez, Poeta.

2008-04-18T00:16:00.001-07:00

Samuel Núñez Galleguillos nació en otra época. Mas bien bajo las estrellas y cuando el tiempo caminaba mas lento. No había que pagar para ser feliz. Bastaba un collar de mostacilla y una frazada para hacer pareja. Un pito, un copete, un limón, un puñado de nueces. Se hacia el amor como en una conversación. Se hablaba largo y tendido con los amigos, de cierta música, de ciertas revistas, de ciertas letras y de ciertas canciones. Se iba en la ola como una hoja en el viento. No se sabía mucho aquí en el culo del mundo pues demasiado entraba por los sentidos. Las palabras y la escuela no servían, quedaba la poesía, y esa manía insana de hablar hacia atrás y hacia delante, los únicos espacios que limitaban el hoy. El mundo iba bien encaminado salvo por ciertos pelotas que se resistían, y que les pateaban el culo en Vietnam, y a punta de votos en Chile. No fue a Piedra Roja porque venia de vuelta. Se viajaba mejor en yerba del Valle hasta el infinito. El aterrizaje fue forzoso. De pasamanos solo la poesía. La poesía que sirve de bitácora para ir registrando la vida; retazos y jirones, flashes, notas a pie de página, pequeños telegramas en una comunión extraña entre las palabras y la velocidad de la vida. Cuando Samuel intenta escribir un poema no le sale, no cuadra, pero cuando despliega su telaraña tímida al aire del día atrapa pequeños insectos maravillosos de alas trémulas o elitros nacarados. Los poemas de Samuel Núñez son como un abrazo, como un beso, como una sonrisa amistosa, como un calido saludo de hermano, o a veces un ceño fruncido, un nudo en la garganta, y para eso no sirve la academia sino la pureza del alma, más cercana a la poesía clásica china que al desenfado de la Beat Generation, con la cual ciertos trogloditas de la cultura tienden a asimilarlo. Samuel es un ciudadano mediocre y un poeta excepcional, un looser orgulloso, un libre temeroso de sus propias alas. Por eso cuando leemos los poemas de Samuel Núñez tenemos que hacerlo en el fragor del día a día, sin perder la habilidad de montarnos nuestro pequeño asilo en un rincón de la micro, en una banca del parque, o en el parapeto de algún baño cómplice. Samuel melómano, porque es un rockero de pura cepa porque sabe, como yo, que en el rock no caben las tonteritas tan necesarias en el pop; en el rock viene de la vena para afuera, como los poemas de Núñez. Y hay –como lo quisieran los doctos apoltronados- belleza en su minimalismo, una distancia pocas veces vista, tan exacta entre el hablante y su objeto. No hay sonsonete ni aspaviento, ni canto destemplado (que algunos confunden con telúrico), hay simple narración de jirones de vida. Quizá por eso su poesía gusta y encanta. Lejos de las experimentaciones seudovanguardistas, no descuida el hecho de que el lenguaje construye mundos o los destruye. Tampoco le interesan mucho sus acertados epigramas, o los tintes haiku, o la extraña habilidad narrativa y naif de sus textos. Leyendo y conversando con Samuel Núñez, uno puede apreciar que cada poema suyo es un acto de equilibrio, no catarsis ni autoterapia, sino el acto de equilibrar la vida completa en ráfagas de talento inaudito. En una genialidad irracional casi obsesiva. Samuel no se inspira ni construye sus poemas: mas bien se gestan a partir de la germinalidad de la vida insomne, para que en algún extraño vientre maduren y salgan a la vida, después, entre Samuel y el poema hay poco que hacer; quedan a la deriva como el ave impulsada desde el risco –unas pocas morirán en el intento pero otras, quedaran en el cielo de la memoria de mas de alguien, en alguna parte del mundo, y pareciera ser que a Samuel, eso le es suficiente para seguir cuesta arriba.

Poema

2008-04-05T11:56:00.001-07:00

¿Qué está prohibido escribir?

entonces

escríbelo.

Holokausto: una pequeña novela de Horror.

2008-03-24T18:46:00.000-07:00

La crisis de la ciencia.

Desde la segunda mitad del siglo XX y el desarrollo acelerado de las comunicaciones y la creación de registros, algunos comenzaron a interesarse por el cúmulo de fenómenos extraños ajenos a la ciencia conocida. Ese proceso desencadenó un cierre de filas del status quo de la ciencia y todo aquello que quedaba fuera de sus parámetros, era considerado pura fantasía o hechos no estudiados correctamente. Pasadas algunas décadas, algunas personas con criterio mas amplio y estricta formación cientifica-académica, comenzaron a alzar las voces para que estos fenómenos, al menos fueran considerados como materia de estudio. Frente a la poca posibilidad de que esto ocurriese, algunos de ellos comenzaron, a principios del siglo 21, a reunirse y a establecer sus propios circuitos científicos para el tratamiento de esos fenómenos.

El descubrimiento.

Los biólogos moleculares Ian y Jon Mcpherson inician un registro detallado de las variaciones del ADN mutágenos en roedores, por muy imperceptibles que estos pudiesen parecer. La falta de fondos termino por frustrar este registro. La publicación de sus resultados no trajo ninguna conclusión significativa, salvo el % comprobado de mutaciones por cada 1000 nacidos. Años después, el Profesos de la Universidad de Nueva Delhi, Ikar Rupresh, matematico-estadístico, publica un trabajo sobre los datos de los Mcpherson; las mutaciones no eran al azar y exhibían un patrón mas o menos reconocible. Al no haber más datos ni experiencias similares, esta hipótesis se archivó como una singularidad matemática más.

Los nuevos estudios.

En marzo del 2010, el Profesor Lorenzo Álvarez publicó nuevos descubrimientos continuando los estudios de los hermanos Mcpherson, encontrando que el porcentaje de mutaciones en las mismas condiciones había aumentado tres veces mas que lo descubierto por los hermanos. A los pocos meses, el Profesor Álvarez recibió carta de un grupo que se denominaba “premonición”, formado por científicos de distintas nacionalidades, que le presentaron un estudio médico sobre estadística de mutaciones humanas a través del mundo, y que contradecían su estudio en mas del doble porcentual: concluyeron que la raza humana mutaba mas aceleradamente que cualquier otro ser vivo estudiado. Decidieron publicar el hallazgo pero al no contar con pruebas lo suficientemente sólidas, no tuvo repercusiones en la comunidad científica.

Rupresh y el grupo “premonición”.

Tres años después, en un simposio realizado en México, el grupo “premonición” contacto al Profesor Rupresh para mostrarle los datos. Unos meses después el profesos Rupresh moría asesinado en un confuso incidente en un Banco en Alemania, pero fue su ayudante en la universidad quien continuó el trabajo de Rupresh concluyendo que la secuencia del patrón descubierto comenzaba a restringirse aceleradamente; “es como si las posibilidades mutágenas fuesen desembocando en una secuencia determinada” les contó. Trataron de reunir todas las pruebas necesarias pero nuevamente fue infructuoso, no podían generalizar una experiencia particular a un comportamiento molecular mas o menos común a todos los seres vivos; se habrían más interrogantes que conclusiones. La información de que dispuso la comunidad científica por canales no oficiales, desencadenó que algunos continuaran estudiando el fenómeno. El grupo “premonición” decide disolverse públicamente en medio de acusaciones de seudo ciencia y búsqueda de publicidad.

El llamado telefónico de larga distancia.

Cinco años más tarde, el programa de la televisión alemana Nuevas Ideas, intenta contactar a los 6 miembros del grupo “premonición” encontrándose que cinco de ellos habían fallecido en distintas circunstancias, y el último miembro no tenía paradero conocido. Anunciado esto en el programa, reciben una llamada de un profesor Indio que dice haber sido ayudante del Profesor Rupresh, haciendo asombrosas revelaciones. Según el, sus estudios estadísticos indican una inexplicable “estabilización de las posibilidades mutágenas” que podría estar dándose en los seres humanos hoy en día, con insospechadas consecuencias. “Podrían estar naciendo en cantidades mas inusuales, seres humanos con deformidades mas estables, que no necesariamente podrían catalogarse de enfermedades” adujo. Cuando periodistas del programa trataron de ubicarlo para entrevistarlo en vivo, se enteraron de que el autor de esas ideas se encontraba recluido en un sanatorio para enfermos mentales, y que se las había arreglado para realizar dicho llamado telefónico.

Quincy Valdez, el comienzo.

A la edad de 12 años, el Joven Quincy Valdez resultaba ser un milagro para la comunidad latina en EEUU y una rareza científica para sus médicos. Víctima de una deformación estructural profunda, carecía de riesgos médicos y era portador de un sistema inmunológico increíble. Jamás había presentado ninguna de las enfermedades típicas de los demás infantes. Sin embargo, sus extremidades superiores eran asombrosamente largas, casi un 20% mas, con un alto desarrollo de la masa muscular al igual que sus piernas que, sin embargo, eran tan cortas que sus dos únicos dedos en cada mano, casi rozaban el suelo. Pero lo más asombroso eran las formaciones simétricas de quitina a lo largo de sus dedos, tanto en sus manos como en sus pies. A pesar de su desarrollo físico, su desarrollo mental parecía ser bastante limitado; no podía comunicarse ni adquirir modelos de comportamiento más o menos dóciles. Sus actitudes eran primarias e imperativas, tanto, que sus médicos lo trataban bajo estrictas medidas de seguridad, hasta que un incidente terminó con un intento de fuga y con la muerte del joven Quincy, a manos de la guardia del hospital y algunos policías que terminaron baleándolo después que este agrediera a tres personas asesinando a una de ellas.

Después, después, después….

Después no tenemos registros verdaderamente confiables. Los materiales detallados se han perdido o se encuentran desperdigados o simplemente se perdieron. La aparición de casos como el del joven Quincy comenzaron a multiplicarse a escala geométrica, tanto, que las medidas de eutanasia de emergencia no fueron suficientes. Luego de que las políticas mundiales de exterminio masivo fracasaran contra este fenómeno con características de pandemia, el caos era total pues las formas mutágenas de multiplicaban y de alguna manera, se perfeccionaban a tal punto, que causó la desintegración de los gobiernos y luego, la desintegración social final. Los que pudieron, continuaron con la estrategia masiva del aislamiento en regiones remotas y luego el enclaustramiento en ciudadelas subterráneas, mientras las criaturas se apoderaban y poblaban la superficie, exterminando y asimilando a la raza humana. Pero eso, es otra historia.

Jorge Alberto Collao

Literatura es Ficción, ¿O no?

2008-03-24T18:04:00.000-07:00

Extracto de una entrevista realizada a Jorge Alberto Collao en la Radio alemana Deutschlandradio Kultur, para el programa Applied Economics, por el economista Jürgen Baas.

Jürgen: Taboada y Spgrengel escribieron sobre sus textos que no había manera de entender sus postulados si no se cambiaban los códigos a través de los cuales es posible acceder a ellas. ¿A que se referían ellos exactamente?

Collao: Habría que preguntarles a ellos en primer lugar. Yo personalmente no he leído sus opiniones pero me parece que su excesivo latinoamericanismo –particularmente sus obsesiones por Chile y Venezuela- los hace perder la perspectiva. Yo he dicho que la punta de lanza de la investigación económica es un indicador válido para intentar un punto de inflexión, en lo que corresponde a la ciencia, respecto a las necesidades de nuevos enfoques. Hasta aquí, la economía está como la meteorología. Tiene, por ejemplo, un catalogo exhaustivo de todos los tipos de nubes inimaginables, minuciosamente detallado, pero nadie hasta ahora puede reproducir de manera artificial ni una sola de esa clase de nubes. Lo mismo ocurre hoy con la economía.

Jürgen: ¿Implica esto entonces que usted estaría en posición de afirmar que ha dado el primer paso en esa dirección?

Collao: Por supuesto. Ya hace más de una década habíamos publicado algunos trabajos sobre el principio de correlatividad que finalmente, predijo la situación de crisis inmobiliaria en los Estados Unidos. Lo extraño de todo esto es que aunque difundimos incluso los rangos anormales de la retensión de tasas, nadie nos “infló” –como decimos en Chile. La única explicación que encontramos a esta situación fue un problema de conectividad: si no perteneces a los círculos de poder, estas fuera de todo, como si la mentirosa tasa Tobin fuera merito del que le dio su nombre. Después de eso, nadie la investiga desde que le pusieron la lápida con el Premio Nobel.

Jürgen: Pero el principio de correlatividad que, a pesar de haber sido aplicada a algunos fenómenos mas o menos recientes, no es capaz tampoco de predecir con mayor eficacia que otro tipo de instrumentos. ¿Cuál es su valor real entonces?

Collao: Pues precisamente que no es fundamentalmente de naturaleza predictiva. En términos reales, de lo que da cuenta es de los vacíos que deben ser llenados para hacer funcional toda una batería de nuevos cuantificadores. Los que existen actualmente –y perdonen la franqueza- están adaptados al lenguaje político y desvirtuado de su esencia mas profunda. En Chile se le llama tecnócrata a alguien que realiza con eficiencia su trabajo pero que no toma en cuenta los factores externos del mismo. La realidad es que esa definición cae mas bien en los que aplican metodologías desvinculadas del contexto para operar políticamente desde las estructuras del poder, en ese sentido el principio de correlatividad es aplicable para definir esas situaciones. Ello entonces indica la presencia de los eslabones que faltan; solo si la tortilla está completamente despegada, la puedes dar vuelta.

Jürgen: ¿Es una crisis de la ciencia económica entonces?

Collao: Nooo, yo no voy tan lejos. Hablar desde la Lebenswelt para describir una crisis de las ciencias parecería demasiado pretencioso. En Husserl y Habermas hay un poco de eso. Pero veamos algunas señales cercanas que tienen un fuerte impacto social: no existe un cuantificador de impacto del cambio monetario respecto del Euro, sino respecto a la estabilidad de los equilibrios macro en el proceso. En Argentina, por ejemplo, no hay un índice que refleje las variaciones de consumo que sea confiable, denunciado incluso por el propio BM, y que decir de Chile, donde la discusión de los índices de pobreza tienen casi tres décadas y a nadie le importa perfeccionarlos, trabándose en una discusión espúrea que es mas bien política. Si este índice se actualiza se pierde el correlato histórico y por ende, la utilidad global del indicador. En cambio, si no se modifica, significaría que se puede vivir perfectamente con 800 dólares anuales per cápita, lo que es una soberana estupidez. He ahí donde la correlatividad es útil.

Jürgen: Otra crítica que se le hace es que el principio de correlatividad es demasiado literario y poco riguroso a la hora de expandirse como herramienta fiable.

Collao: Pues es que están demasiado acostumbrados a no pensar. En ese sentido Zizek estaría de acuerdo conmigo aunque no comparto su ortodoxia. La pregunta es ¿Qué queremos hacer? Por supuesto que si yo tengo un Mercedes Benz, necesito herramientas para un Mercedes Benz, pero si quiero cambiar el vehiculo en el cual me muevo, la economía, no me sirven las herramientas del Mercedes Benz, aunque una llave sea siempre una llave.

Jürgen: Muy bien Sr. Collao, ha sido un gusto conversar estos temas con Ud. Esperamos haber mostrado otro punto de vista de interés. Por último, cuales serian los próximos pasos, cual seria el avant del futuro.

Collao: Thurow –que sigue siendo un aprovechado desde mi punto de vista- no es ningún pusilánime. Ha dado insistentemente la receta del éxito aunque el mismo no lo reconozca: la búsqueda de nuevas categorías de mercancía. Ello es lo que se viene y para ello la economía convencional no sirve. Como decimos en Chile “a rio revuelto, ganancia de pescadores”, esa es mi advertencia y la ventaja de los inescrupulosos.
Pero algunos ya sabemos de qué se trata. Gracias por habernos escuchado.

Wiesbaden, Alemania, Octubre del 2007.
Escritos para el texto "Games Men-Tales"

Kalimera

2008-03-24T18:02:00.000-07:00

Äåí åëðßæù ôßðïôá. Ä å öïâïýìáé ôßðïôá. Å ßìáé ëåýôåñïò

Un chiste entretenido.

2008-03-24T18:01:00.000-07:00

Heisenberg dice:Dado que nosotros tres estamos juntos en un bar, esto debe ser un chiste. Pero no puedo decir si tiene gracia o no.

Gödel responde:Nosotros estamos dentro del chiste, así que es imposible para nosotros decir si tiene gracia o no. Tienes que apreciarlo desde fuera.

Y Chomsky mueve la cabeza y dice:Por supuesto que tiene gracia, lo que pasa es que lo estáis contando mal.

La Falacia del Financiamiento de La Cultura.

2008-02-24T16:50:00.000-08:00

Jorge Alberto Collao
Enero 2008

La conclusión que he sacado después de tantas décadas vinculado al quehacer cultural y por mas que me he devanado los sesos, no puedo sino concluir que el arte, la cultura, no deben ser financiados. Pero, frente a tanto activista cultural, poeta, escritor o creador, haciendo fila en las arcas del Estado o de algún generoso mecenas, no me queda más que reírme y continuar mi camino. Mi conclusión es simple: cuando una expresión cultural o artística se transforma en mercancía, pierde inevitablemente su poder de proceso comunicante para volverse símbolo estanco, mutilado de su enorme carga de futuro para los hombres y mujeres del mundo. El arte convertido en mercancía[1] –que no tiene que ver aquí con esa crítica barata al mercado- sino con lo que implica ser un producto transable: la estratificación de sus características, su estandarización, su delimitación en los marcos de lo transable y, por lo tanto, su cosificación definitiva y abrumadora. El arte sin embargo, no puede nunca someterse, limitarse, dejar de ser proceso, matar su mágica fisiología, dejar de ampararse en su infinita indeterminación[2]. Eso es para mi el arte y la cultura, y de esto no se escapa ni un rayado en algún baño como las pinturas de Van Gogh. Entonces, cuando compras, segregas, pero también cuando subvencionas, segregas. Todo cuanto pueda considerarse como mediación entre al arte y la cultura y el publico, comete ese pecado y quizá por ello no puede escaparse de las críticas que pueden venir de cualquier lado. Para mi el arte no debiese ser ni financiado, ni comprado, ni subvencionado, sino liberado[3].

Alguna vez, a pocos años de haber terminado la dictadura me encontraba yo conversando con un grupo de jóvenes que hacían teatro callejero, y me contaban que esa expresión escénica se moría poco a poco. Entonces creía yo que era el fervor antidictatorial el que alentaba estas expresiones artísticas pero ellos me explicaban: “nosotros hacemos arte. Durante la dictadura salimos a la calle a buscar a la gente y no teníamos ningún problema en presentarnos en cualquier lugar. Recorrimos todo Chile. Solo se nos complicaba cuando se aglomeraba demasiada gente y los pacos se ponían nerviosos. Algunas veces nos detuvieron pero al par de horas ya estábamos libres. Ahora, en democracia, ya ni podemos usar las calles porque la ley dice que debemos pedir autorización a los vecinos ¿y como vamos ha hacer eso en cada nueva ciudad en que nos presentamos? Entonces si vienen los carabineros y nos piden ese documento, si no lo tenemos, violamos la ley y eso significa arresto y cárcel”[4]. Pensado así, entonces cobra sentido que el arte sea más bien liberado de ataduras, más que subvencionado.

Otra anécdota que parece mas bien un chiste, es la otra cara de la medalla: la pintura más cara de la historia es hasta ahora “Number 5” de Pollock. Si, está bien, Pollock era un genio atormentado, pero 140 millones de dólares por una obra de este tipo no creo que se justifique en absoluto, y mas todavía cuando ahora pertenece a un solo hombre, al empresario mexicano, David Martínez, y a su círculo mas cercano. También, esta pintura debiese ser liberada de su cautiverio[5].

Esta podrá ser una afiebrada y parcial opinión de quien ve el problema de manera absolutamente interesada; soy poeta, escritor, dibujante, qué se yo, y como retumban mis oidos con aquella excelente frase con que Galeano describia el problema hace varias decadas ya: “no navega el bote porque no hay mar”. Faltan las aguas de la libertad.

Y si la UNESCO declaró sobre la cultura en 1982 “...que la cultura da al hombre la capacidad de reflexionar sobre sí mismo. Es ella la que hace de nosotros seres específicamente humanos, racionales, críticos y éticamente comprometidos. A través de ella discernimos los valores y efectuamos opciones. A través de ella el hombre se expresa, toma conciencia de sí mismo, se reconoce como un proyecto inacabado, pone en cuestión sus propias realizaciones, busca incansablemente nuevas significaciones, y crea obras que lo trascienden” (UNESCO, 1982: Declaración de México) entonces, ¿Por qué ponemos el acento ahí dónde no lo tiene?, ¿Por qué solazarnos en esta especie de racismo donde el color de la piel es reemplazado por la cantidad de divisas?

El arte, y sobre todo la cuestión de la cultura, es hoy por hoy uno de los temas mas relevantes del proceso de la globalización, donde se ha venido aprendiendo sobre el rol de la cultura para la historia de los hombres[6]. Y en fin, desde el punto de vista que las abordemos, el reto parece ser entregarnos a ella y flotar sobre ese oleaje que nos lleva hacia algún punto del distante futuro, donde toda direccionalidad huele siempre a algún tipo de fascismo mental. Quizá por eso prefiero la calle a los museos. El arte y la cultura son cosas vivas y vivientes. No las metamos en un frasco ni le construyamos un zoológico. Vivir el arte y la cultura es vivirse a si mismo, pertenecerse, y eso parece bastante peligroso en un mundo con tantos y tan poderosos intereses creados. Cuando nos rechazamos a nosotros mismos, entonces lo que nos viene de fuera nos reemplaza nuestra propia imagen y el valor que debiese tener nuestro yo-colectivo e individual, valorizado en su materialidad, y no en su espiritualidad. Hoy, pareciera que toda creación debiese repetir cánones y esteriotipos, y cubrir determinadas zonas de la simbología culturalista, porque lo nuevo e innovador o es pura barbarie, o francamente delictual. ¿Quién se atreve a crear así? Victor Jara cantó una vez, que el hombre es un creador. Y no se puede crear sin espacio, sin aire, sin libertad aunque en las manos no tengas nada; Violeta llenó el Louvre con alambre y pedazos de lana. Crear no es cuestión de costo, sino de aire.

[1] Dentro del tipo de ideas introducidas por Steward, cabe señalar el materialismo cultural propugnado por Marvin Harris y otros antropólogos estadounidenses. Esta corriente puede ser asimilida a una forma de ecofuncionalismo en el que se encajan ciertas divisiones introducidas por Marx. El materialismo cultural entiende que la evolución cultural y la configuración de las sociedades dependen básicamente de condiciones materiales, tecnológicas e infraestructurales. El materialismo cultural establece una división tripartita entre grupos de conceptos que atiende a su relación causal. Esas grupos se llaman infraestructura (modo de producción, teconología, condciones geográficas,...) estructura (modo de organización social, estructura jerárquica,...) y supraestructura (valores religiosos y morales, creaciones artísticas, leyes,...)..

[2] Roy Rappaport introdujo en la discusión de lo social la idea de que la cultura forma parte de la misma biología del ser humano, y que la evolución misma del ser humano se debe a la presencia de la cultura. Señalaba que... “...superorgánica o no, se debe tener presente que la cultura en sí pertenece a la naturaleza. Emergió en el curso de la evolución mediante procesos de selección natural diferentes sólo en parte de aquellos que produjeron los tentáculos del pulpo […] Aunque la cultura está altamente desarrollada en los hombres, estudios etológicos recientes han indicado alguna capacidad simbólica entre otros animales. […] Aunque las culturas pueden imponerse a los sistemas ecológicos, hay límites para esas imposiciones, ya que las culturas y sus componentes están sujetos a su vez a procesos selectivos.

[3] Así mismo Michel Foucault en el conocido debate de noviembre de 1971 en Holanda con Noam Chomsky, respondiendo la pregunta de que si la sociedad capitalista era democrática, además de contestar negativamente, argumentando que una sociedad democrática se basa en el efectivo ejercicio del poder por una población en la que nadie esté dividido u ordenada jerárquicamente en clases, sostiene que de manera general todos los sistemas de enseñanza, los cuales aparecen simplemente como trasmisores de conocimientos aparentemente neutrales, están hechos para mantener cierta clase social en el poder, y excluir los instrumentos de poder de otras clases sociales.

[4] Louis Althusser propuso que el ámbito de la ideología (el principal componente de la cultura) es un reflejo de los intereses de la élite, y que a través de los aparatos ideológicos del Estado se reproducen en el tiempo.

[5] Antonio Gramsci llama la atención a la hegemonía, un proceso por medio del cual, un grupo dominante se legitima ante los dominados y los dominados terminan por naturalizar y asumir como deseable la dominación.

[6] Ahí están las recopilaciones de Riazanov sobre la teoría de la cultura desarrollada por Marx, en palabras de Geertz “La gran aportación del marxismo en el análisis de la cultura es que ésta es entendida como el producto de las relaciones de producción, como un fenómeno que no está desligado del modo de producción de una sociedad. Asimismo, la considera como uno de los medios por los cuales se reproducen las relaciones sociales de producción, que permiten la permanencia en el tiempo de las condiciones de desigualdad entre las clases”

Canon de la Poesía del Norte De Chile.

2008-02-24T16:46:00.000-08:00

"Ahora cuando empieza el nuevo siglo me llama la atención; por ejemplo, la antología de jóvenes poetas realizada por Osvaldo Ángel, me llama la atención la nueva propuesta de género en lo estético y ético que hacen algunas mujeres del Norte; me llama la atención que todavía algunos otros poetas de los '80 persistan, cuando despunten ya los del ´90, lo que puede hacer crecer ¡como nunca antes¡ la poesía en el Norte. Del ´90 hacia delante destacan: Julio Miralles, Ana Leyton, Jorge Collao, Eloy Nédito, Carola Pizarro, Andrés Pulgar, Manuel Tapia, Guillermo Gálvez, Nancy Mendoza, Sebastián Villalobos, Osvaldo Ángel, Juan Malebrán, Víctor Santoro, Markos Quisbert, etc."

CANON DE LA POESIA EN EL NORTE DE CHILE
http://www.letras.s5.com/av170505.htm

EL VERDADERO SENTIDO DEL ARTE.

2007-11-02T22:18:00.000-07:00

¿Que hace que ciertas formas de arte, de cultura, de creación, pervivan? Pues, muchos factores. Algunos artificiales, como el mercantilismo o el mercadishing de cualquier clase, abierto o encubierto, o necesidades mas ocultas o hasta ilegales, reñidas con toda ética, como la pornografia infantil, por ejemplo. ¿Pero que hace que otras a las cuales les asignamos un profundo sentido no sean tan masivas, ni tan difundidas, ni tan alentadas? Pues porque son mas inmanejables, mas impredecibles, en las que menos se confia. Las anteriores son, pues, todo lo contrario: el mercadishing es toda una ciencia que se inicia y acaba a través de factores controlados y controlables, lo mismo que la pornografia infantil o el comercio de la pasta base o la cocaina; si no estuvieran prohibidos no seria negocio. Una vez un amigo me dijo "para que la gente lea, habria que prohibir todos los libros", da para pensar.

¿Pero de que se trata esto del profundo sentido del que hablábamos antes? Cortázar decia de la literatura, por ejemplo, que esta era una fuerza social, y que mientras mas literaria era, mas social se volvía. Y tenia razón en este sentido. Hace poco, en la última Feria del Libro de Santiago le preguntaron a Ernesto Cardenal sobre su rol de Sacerdote y Poeta, y el decía que no tenia la menor intención de pontificar nada, ni como poeta ni como sacerdote, y que su fe en Dios residia o se expresaba en el respeto al sentido común de la gente, a la confianza en la propia conciencia de la gente y quizá en esa idea, está la clave de lo que nos ocupa: el arte, la creación, la literatura, en fin, tiene su sentido profundo en que si te cambia, ya no puedes volver a ser o pensar lo que antes eras o pensabas, y esa es la diferencia con la cultura del mercadishing pues este es, de alguna forma, reversible. En el puedes pasar de la inteligencia a la estupidez, tan rápido como de un producto a otro, sin embargo, con el verdadero arte, si este te toca verdaderamente, siempre te hará un poco mejor que antes, aunque sigamos siendo idiotas o simples sinverguenzas. Y eso, ahi está esa fuerza social.

Otra diferencia es que la cultura del mercadishing es tan maleable y cambiante porque no busca penetrar en tu alma sino regocijarse apenas en tus sentidos. Por ello es que el verdadero arte es mas complejo, mas lento, menos parafernálico, porque penetrar en el alma de cualquier ser humano es lento, imperceptible, minucioso...y lo que cambia, lo cambia para siempre: eso es el terror del estabishment. Y aunque Bolaños aconsejó alguna vez que leer no era tan bueno para la gente -que Hitler leyó mucho y no fué un gran ejemplo que digamos- creo que el sentido de sus palabras quiere decir que no se trata solo del instrumento -la lectura, la música, etc.- sino de toda una costumbre de arte, una forma de vivir el arte que se nos impide una y otra vez, por la carga revulsiva que esto trae, porque si asi fuera, entonces comenzariamos a dejar de ser lo que somos -peligrosa cosa- para ser definitivamente otra cosa mejor, que nadie -creo- puede preveer. Eso es para mi el verdadero arte, la verdadera creación. Entonces, cuando escribo, escribo para que alguno al menos, que lea algun poema mio, pueda ser una persona un poco mejor que antes, sino, toda mi poesía no tendría ningún sentido. Como decia Roberto Santoro, ese desconocido y gran poeta argentino: "la ética, estetica est".

Noviembre 2007

"TRANSAMERICA" (fragmento) aún sin terminar.

2007-10-19T15:55:00.000-07:00

Mi sitio estará contigo cuando la fría luz de las estrellas se precipiten.
Mi sitio estará contigo cuando cada diamante vuelva al corazón de los carbones.
Mi sitio estará contigo cuando los mares inunden mis manos ahuecadas.
Mi sitio estará contigo cuando la tierra hosca me niegue lugar para los muertos.
Mi sitio estará contigo cuando te hallas ido, cuando nada me quede de ti.
Mi sitio estará contigo cuando se me confunda tu nombre con los de lejanas civilizaciones.
Mi sitio estará contigo cuando mis pies vuelvan al sendero que me persigue.
Mi sitio estará contigo cuando, por ti, me sacrifique.
Mi sitio estará contigo cuando busque las razones que me abandonaron.
Mi sitio estará contigo cuando cante canciones de licor y locura.
Mi sitio estará contigo cuando asesine a mansalva y desnudo vague por los infiernos.
Mi sitio estará contigo cuando levante sobre mis hombros a todos los vencidos.
Mi sitio estará contigo cuando me rebele y se parta en dos el cielo.
Mi sitio estará contigo cuando nuevas palabras nos nombren.
Mi sitio estará contigo cuando me cosan los párpados y los labios.
Mi sitio estará contigo cuando me despida de ti, cuando te borre, cuando te odie.
Mi sitio estará contigo cuando a carcajadas, me deje mojar por el universo.
Mi sitio estará contigo cuando recoja grano a grano, todas las arenas de todos los desiertos.
Mi sitio estará contigo cuando me recibas en cualquier mañana, en silencio, sin preguntarme nada.
Mi sitio estará contigo cuando tararee mi canción favorita entre los amigos.
Mi sitio estará contigo cuando hayamos sacado las miserias barridas bajo la alfombra.
Mi sitio estará contigo cuando me reproches, como a un niño, mis ansias de hacerte un poema.

2007-10-19T15:52:00.000-07:00

Aqui estamos reunidos un representante del Centro Social Okupado "El Laberinto" de Tierras Blancas, Daniel Palominos, Ceramista, pintor y músico; José Osorio, poeta y representante de "Cultura en Movimiento" de Santiago, y Jorge Collao, en el Parque Coll, debatiendo sobre nuevas formas de construcción social.

2007-10-19T15:49:00.000-07:00

Este encuentro cultural se realizó en el parque Pedro de Valdivia, en el sitio dedicado a los Fusilados por la Caravana de La Muerte, en Octubre de 1973. Alli nos reunimos poetas, cantores, musicos y dirigentes, a rendir un homenaje al recuerdo vivo de estos soñadores por un mundo mejor.

2007-10-19T15:45:00.000-07:00

Ha poco de haber sido galardonado con el Premio Nacional de Literatura, Raúl Zurita visitó La Serena, y brindó una lectura en el Instituto Juan Bohon. Ahi estuvimos conversando y aprovechamos de entrevistarlo, he hicimos recuerdos de aquella histórica visita que hizo en los ochentas a la Universidad de La Serena de la que se rescató una Caset que transcribí hace unos años para AÑAÑUCA, y de la cual tenia vívidos recuerdos de aquella ocasión.

Jorge Collao: “Yo quiero preguntarte. Que tu reflexionaras un poco, sobre algo que nos contaste acá en La Serena hace unos 10 años atrás. Tu estuviste en la universidad de La serena y nos contaste acerca de que tu poesía intentaba, o buscaba, en el fondo, llegar a un punto o a un estadio en que la poesía fuese tan cotidiana como el respirar, que ya no fuese necesario escribirla. Tu hablabas también de algunos ejemplos, como que, beberse un vaso de agua, hasta resolver una integral constituyen obras de arte, y también nos contabas sobre aquello que no se puede expresar con palabras, que es lo que tu intentabas ¿no?. Respecto a la náusea, donde la palabra se complica, se traba”.

Raúl Zurita: “Yo todo eso lo mantengo exáctamente igual a como me lo estás describiendo tu. Creo que la finalidad de la poesía es que algún día dejen de escribirse poemas porque no son necesarios ya, porque todos los actos, desde tomarse una taza de café, hasta lo mas complejo, pasan en si a ser un acto creativo, porque la vida humana es en si el mas grande poema y la mas grande obra de arte, y lo único que hacemos nosotros es simplemente transitar por una especie de purgatorio de las palabras. Pero el amor, el encuentro absoluto, el amor...sobrepasa las palabras, como el dolor también”.

2007-10-19T15:38:00.000-07:00

De regalo este comics, que es el único que me queda en formato de una sola página. Ojalá les guste.

REESTRUCTURACION DEL BLOG.

2007-10-19T15:24:00.000-07:00

Oscar Elgueta, Jorge Collao, Stella Diaz Varin y Javier del Cerro
Como ven, estamos en esta tarea de reestructurar este blog para hacerlo un poco mas personal y así dar fe a cabalidad, de mis propias ideas y proyectos. No abandonaré por ello la capacidad de síntesis necesaria para que su lectura sea fácil y asi puedan, "rastrear" estas ideas, situaciones, textos, y extrañezas, que iremos dando a conocer mes a mes.

SALUDOS A LOS BUENOS RECUERDOS.

2007-10-07T18:24:00.000-07:00

Reunión en el décimo aniversario de la revista AÑAÑUCA: de arriba a la izquierda, Lautaro y Caupolican Peña, Luis Macaya, Javier del Cerro, Julián Gonzales, Marcela Reyes y Jorge Collao.

Un saludo a todos los amigos y amigas que siempre tengo en mi memoria: La Ube, la Tere y el René Gonzalez, "Lalo" Yañez, el Mauricio Godoy, la Andrea Parraguez, al Lucot y América, a Jorge Carmona, Susana Moya, Felipe Lecaros, Jose Castillo, Sonia, Cristian y Millaray, al "Pelao" Diaz, al "Cabezón" Gutierrez, al "Vancho", Enrique Marín y Kika, al "Juve", al "Caupo" y al "Sammy" Núñez, al Emilio Fica, a Vinka, José Luis Olivares, a "Tamara", y en fin, a la familia que anda desparramada por ahi. Saludos a todos.

Jorge Alberto Collao

COMO EMPEZAR A RECONOCER UN POEMA MEDIOCRE.

LA CUESTION DE LA CULTURA: UN ENFOQUE REVOLUCIONARIO.

ASOMANDO LA CABEZA CON ANDRES.

PRESENTACION DEL LIBRO DOBLE.

"LA POLAR, LA POLAR, PASAR Y LLEVAR" (Cantan los Gerentes)

LA CONVERSACION.

LEVANTARSE CADA DIA.

APHRA BEHN: UNA PRECURSORA CASI OLVIDADA.

PROVOCACIONES.

LIBRO "RUTA 5" DEL POETA OSCAR ELGUETTA.

Ediciones “El mundo al Instinto”,Impreso por “Mosquito Comunicaciones”.

ELEMENTOS PARA UNA REVOLUCION ESTETICA.

“Siempre estoy escribiendo

LA MALDAD Y LA POESIA.

ENTREVISTA A LA JOVEN CANTAUTORA NATALIA MOLINA.

Alma,el aire tratará de abandonarnos,el tiempo tratará de avejentarnos,por mientras te escudas en mí.

Alma,los tontos ya trataron de ignorarnos,los otros tratarán de aniquilarnos,por mientras te escudas en mí.

No creas que es tan fácildejarse llevar,El día es el que empieza,cuando quieres,sólo quieres terminar.

Alma,el aire tratará de abandonarnos,el tiempo tratará de avejentarnos,por mientras te escudas en mí.

No creas que es tan fácildejarse llevar,El día es el que empieza,cuando quieres,sólo quieres terminar.

Alma,rodar por los caminos no es eterno,errar es mal de vivos, no de muertos,por mientras te fundes en mí,por mientras te fundes en mí,por mientras te fundes en mí,

INDUSTRIA CULTURAL U ORTOPEDIA ESTATAL.

LAS REVISTAS INNECESARIAS.

LITERATURA EROTICA.

Collao: El Orígen.

El Dialogo en clave de Kafka.

LA RELIGION DEL FUTURO.

LECTURA EN EL ANFITEATRO EL CORTIJANO.

COMO CANTO DE BALLENAS.

Santiago: Sabado 13 de Septiembre.

Mi personaje Histórico Favorito: Judas.

Samuel Núñez, Poeta.

Poema

Holokausto: una pequeña novela de Horror.

Literatura es Ficción, ¿O no?

Kalimera

Un chiste entretenido.

La Falacia del Financiamiento de La Cultura.

Canon de la Poesía del Norte De Chile.

EL VERDADERO SENTIDO DEL ARTE.

"TRANSAMERICA" (fragmento) aún sin terminar.

REESTRUCTURACION DEL BLOG.

SALUDOS A LOS BUENOS RECUERDOS.

Alma,
el aire tratará de abandonarnos,
el tiempo tratará de avejentarnos,
por mientras te escudas en mí.

Alma,
los tontos ya trataron de ignorarnos,
los otros tratarán de aniquilarnos,
por mientras te escudas en mí.

No creas que es tan fácil
dejarse llevar,
El día es el que empieza,
cuando quieres,
sólo quieres terminar.

Alma,
el aire tratará de abandonarnos,
el tiempo tratará de avejentarnos,
por mientras te escudas en mí.

No creas que es tan fácil
dejarse llevar,
El día es el que empieza,
cuando quieres,
sólo quieres terminar.

Alma,
rodar por los caminos no es eterno,
errar es mal de vivos, no de muertos,
por mientras te fundes en mí,
por mientras te fundes en mí,
por mientras te fundes en mí,